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Cada primero de julio, el mundo de la música rinde honores a Debbie Harry. La vocalista de Blondie nació un día como aquel en [1945enMiamiEstadosUnidos y desde entonces ha forjado un camino inseparable de la música.

La cantante, compositora, multiinstrumentista, filántropa y actriz​ estadounidense alcanzó el éxito en todo el mundo a finales de la década de los 70′ con Rubio, la banda que creó junto al guitarrista Chris Stein y que primero tuvo por nombre Ángel y la serpiente.

¿Por qué Blondie se llama así?

La respuesta se compone de dos elementos: un dicho vivencial de Debbie Harry y también un anhelo relacionado con los cuarto músicos más famosos de Liverpool, The Beatles. De hecho, en algún momento grabaron hasta el cover de «Please, Please Me» de la banda de Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison.

La primera se debe al comentario que Debbie Harry recibió de un camionero. Este le gritó “Hey, Rubiecita”, haciendo referencia a su pelo rubio platinado.

La segunda la ha explicado la misma Debbie y es que cuando estaban buscando cómo nombrar a la banda, ella quiso elegir un nombre que empezara con “B” porque estarían más cerca de los discos de The “Beatles” en la tiendas de discos.

El rubio platinado de esta leyenda del pop-rock y new wave ha sido una característica que ha la acompañado casi toda su carrera, tanto con su banda como en su carrera solista. Recordemos que en cuanto a discos en solitario, la cantante tiene 5 placas. Estas provienen de la década de los 80, época en que Blondie se desintegró por problemas financieros después del disco “The Hunter” (1982) y también para tratar una enfermedad autoinmune de Chris Stein.

En el ámbito de la actuación, a Harry se a  incluye en más de 60 películas y programas de televisión. En 1999, fue ubicada en la posición n° 12 de la lista de las 100 mujeres más importantes del Rock & Roll.

También Harry es considerada la primera rapera en aparecer en el número uno de Estados Unidos por su voz en «Rapture».

Su último trabajo de estudio con Blondie fue en 2017, llamado “Polinizador”, completando una lista de once álbumes de estudio junto a la banda. Después de eso, en 2020 el grupo lanzó un disco en vivo y si este 2021 los conciertos vuelven, tienen agendada una gira con Garbage para volver a encontrarse con sus fans.

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¿Por qué Blondie se llama así?

La respuesta se compone de dos elementos: un dicho vivencial de Debbie Harry y también un anhelo relacionado con los cuarto músicos más famosos de Liverpool, The Beatles. De hecho, en algún momento grabaron hasta el cover de «Please, Please Me» de la banda de Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison.

La primera se debe al comentario que Debbie Harry recibió de un camionero. Este le gritó “Hey, Rubiecita”, haciendo referencia a su pelo rubio platinado.

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Rubio de pelo corto y parado. Mirada desafiante con una mueca provocativa en su boca. Campera negra, alguna que otra cadena, y una moto cerca. Puede ser la descripción de algún poster colgado de Billy Idol en una habitación de un joven a mediados de los ‘80.

William Michael Albert Broad -su verdadero nombre- arrancó desde muy joven, en plena explosión punk inglesa, con el grupo Generacion X. Después de tres discos, Billy decidió marcharse y encarar un proyecto solista.

Se fue a Londres, donde se juntó con el guitarrista Steve Stevens, que se convertiría en su aliado sonoro, y publicó su disco llamado simplemente Billy Idol (mil novecientos ochenta y dos). “Bailando conmigo mismo” y “Boda blanca”, dos de los cortes de la producción se volvieron instantáneamente exitosos. El nacimiento de un nuevo ídolo. Con su imagen, el muchacho punk alimentó fantasías y trajo nuevos aires musicales.

“Ojos sin cara”, una balada de chico rudo formó parte de su siguiente disco Grito rebelde (1983). Sus siguientes pasos no fueron nada bueno. Sonrisa de latigazo (1986), Vida encantada (1990), este último con el hit “Cuna de amor” lo mantenían como uno de los representantes de su generación.

“Atrapa mi caída”

“Si me tropiezo, atrapa mi caída”, cantaba Billy Idol en “Atrapa mi caída ”, otro de los cortes de Grito rebelde ¿Una suerte de presagio? El 6 de febrero de 1990, el rockero se levantó animado, confiado para decir de alguna manera. Todo salía como lo tenía calculado. Su disco Vida encantada venía pisando fuerte. Pero algo cambió.

El joven cantante salió a la ruta con su moto, una Harley Davidson enfurecida y rugiente. No se puso el casco, pero no le importó. Quería adrenalina, como la que sentía en el escenario. La moto impactó contra un auto y todo se fue a negro. “El hueso de la pierna salió por fuera de mis pantalones y destrozó el músculo. Había sangre por todos lados. Me desmayé por el fuerte dolor”, recordó hace unos años. Los médicos salvaron su vida después de una cirugía de siete horas. Todo cambió.

Renacer en la música

Después de siete años de silencio, el 17 de septiembre saldrá el nuevo EP del músico, bajo el nombre de El borde de la carretera (Al borde del camino). Estas canciones fueron concebidas, grabadas y mezcladas casi en su totalidad bajo la sombra de la pandemia.

El primer corte “Botón amargo” presenta una de las letras más introspectivas y confesionales del artista, en la cual confronta a la muerte, el renacimiento y su crecimiento personal a treinta y un años de aquel accidente. “Voy a manejar esta motocicleta hasta el límite de la ciudad. Hasta el puente con los ojos cerrados. Y escupir a las estrellas y gritar en la oscuridad. No hay nada que pueda hacer para cambiarlo ahora. Pero si me corto, nena, podés leer todas mis cicatrices”, describe en una parte de la canción.

“Creo que todos se sintieron más reflexivos durante la pandemia. Entonces, me pareció bastante lógico y natural escribir algo sobre mi accidente”, explicó en un comunicado. Y agregó: “Ese choque de motocicleta fue la catarsis, el momento de despertar. Un poco de mí se quedó en esa ruta. Pero al final no fue necesariamente algo malo; fue una llamada de atención. Quizás en ese camino dejé atrás al irreverente y juvenil Billy y abrí la puerta para un padre más atento y un músico más sensible”.

A sus 65 años, Billy Idol se mantiene activo y planea una serie de conciertos para lo que queda del año, en el Teatro Capitol de Nueva York y el Cosmopolita de Las Vegas, así como una aparición en un festival en Asbury Park. Para calentar motores, el veterano punk apareció como invitado en el set de Miley Cyrus en el Lollapalooza de Chicago, donde interpretaron su clásico “Boda blanca”.

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Rubio de pelo corto y parado. Mirada desafiante con una mueca provocativa en su boca. Campera negra, alguna que otra cadena, y una moto cerca. Puede ser la descripción de algún poster colgado de Billy Idol en una habitación de un joven a mediados de los ‘80.

William Michael Albert Broad -su verdadero nombre- arrancó desde muy joven, en plena explosión punk inglesa, con el grupo Generacion X. Después de tres discos, Billy decidió marcharse y encarar un proyecto solista.

Se fue a Londres, donde se juntó con el guitarrista Steve Stevens, que se convertiría en su aliado sonoro, y publicó su disco llamado simplemente Billy Idol (mil novecientos ochenta y dos). “Bailando conmigo mismo” y “Boda blanca”, dos de los cortes de la producción se volvieron instantáneamente exitosos. El nacimiento de un nuevo ídolo. Con su imagen, el muchacho punk alimentó fantasías y trajo nuevos aires musicales.

“Ojos sin cara”, una balada de chico rudo formó parte de su siguiente disco Grito rebelde (1983). Sus siguientes pasos no fueron nada bueno. Sonrisa de latigazo (1986), Vida encantada (1990), este último con el hit “Cuna de amor” lo mantenían como uno de los representantes de su generación.

“Atrapa mi caída”

“Si me tropiezo, atrapa mi caída”, cantaba Billy Idol en “Atrapa mi caída ”, otro de los cortes de Grito rebelde ¿Una suerte de presagio? El 6 de febrero de 1990, el rockero se levantó animado, confiado para decir de alguna manera. Todo salía como lo tenía calculado. Su disco Vida encantada venía pisando fuerte. Pero algo cambió.

El joven cantante salió a la ruta con su moto, una Harley Davidson enfurecida y rugiente. No se puso el casco, pero no le importó. Quería adrenalina, como la que sentía en el escenario. La moto impactó contra un auto y todo se fue a negro. “El hueso de la pierna salió por fuera de mis pantalones y destrozó el músculo. Había sangre por todos lados. Me desmayé por el fuerte dolor”, recordó hace unos años. Los médicos salvaron su vida después de una cirugía de siete horas. Todo cambió.

Renacer en la música

Después de siete años de silencio, el 17 de septiembre saldrá el nuevo EP del músico, bajo el nombre de El borde de la carretera (Al borde del camino). Estas canciones fueron concebidas, grabadas y mezcladas casi en su totalidad bajo la sombra de la pandemia.

El primer corte “Botón amargo” presenta una de las letras más introspectivas y confesionales del artista, en la cual confronta a la muerte, el renacimiento y su crecimiento personal a treinta y un años de aquel accidente. “Voy a manejar esta motocicleta hasta el límite de la ciudad. Hasta el puente con los ojos cerrados. Y escupir a las estrellas y gritar en la oscuridad. No hay nada que pueda hacer para cambiarlo ahora. Pero si me corto, nena, podés leer todas mis cicatrices”, describe en una parte de la canción.

“Creo que todos se sintieron más reflexivos durante la pandemia. Entonces, me pareció bastante lógico y natural escribir algo sobre mi accidente”, explicó en un comunicado. Y agregó: “Ese choque de motocicleta fue la catarsis, el momento de despertar. Un poco de mí se quedó en esa ruta. Pero al final no fue necesariamente algo malo; fue una llamada de atención. Quizás en ese camino dejé atrás al irreverente y juvenil Billy y abrí la puerta para un padre más atento y un músico más sensible”.

A sus 65 años, Billy Idol se mantiene activo y planea una serie de conciertos para lo que queda del año, en el Teatro Capitol de Nueva York y el Cosmopolita de Las Vegas, así como una aparición en un festival en Asbury Park. Para calentar motores, el veterano punk apareció como invitado en el set de Miley Cyrus en el Lollapalooza de Chicago, donde interpretaron su clásico “Boda blanca”.

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La interpolación se convirtió en el tema más comentado en los últimos días luego de que Olivia Rodrigo acreditara oficialmente a Paramore en “Good 4 U” y, con ello, terminar con los rumores de plagio. Para evitar este tipo de señalamientos, Drake le dio crédito a The Beatles en una canción que forma parte de su nuevo y tan esperado álbum, ‘Amante certificado‘.

Desde 2020, Pato venía anunciado el lanzamiento de su sexto álbum, sin embargo, tuvo un pequeño retraso, por lo que se pospuso para principios de 2021, el disco se retrasó cuando el rapero se rompió el ligamento cruzado anterior, lo que requirió una cirugía de rodilla. Finalmente, tras tanta espera ‘Amante certificado’ salió a la luz y con varias sorpresas.

¿Por qué Drake acreditó a The Beatles en ‘Certified Lover Boy’?

Luego de dejar un mensaje críptico en el canal ESPN para confirmar la fecha de lanzamiento de su álbum, Pato publicó su disco en las plataformas digitales y lo lanzó en las tiendas físicas, sin embargo, algunos fans se percataron que los nombres de dos ex Beatles se encontraban en los creditos del disco.

Esto se debe a que Drake hace una interpolación de “Michelle” de Los Beatles, es decir, que tomó un elemento de esta composición para incluirla en la canción de apertura de su sexto álbum, titulada “Poesía Champaña”. Por este motivo, John Lennon y Paul McCartney son acreditados como coautores del álbum, ‘Amante certificado‘.

‘Tracklist’ de ‘Certified Lover Boy’

El nuevo álbum de Pato está compuesto por 21 canciones y también cuenta con invitados de Jay-Z, Nicki Minaj, Travis Scott, 21 Savage, Lil Baby y Yebba. De acuerdo con el crítico musical, Mark Savage, en los ‘tracks’ de ‘Amante certificado’, el rapero se divide entre “el sentimentalismo y la fanfarronería” para retratar sus temas habituales: “ha sido tergiversado e incomprendido; es mejor que los raperos que lo critican, pero también lastimado por sus faltas; y es eterna y fatalmente desafortunado en el amor”.

  1. Poesía Champaña
  2. Casa de Papi
  3. Las chicas quieren chicas (Ft. Lil Baby)
  4. En la Biblia (Ft. GIVEON y Lil Durk)
  5. Amar a todos (Ft. JAY-Z)
  6. Comercio justo (Ft. Travis Scott)
  7. Way 2 Sexy (Ft. Future y Young Thug)
  8. TSU
  9. N 2 Deep (Ft. Future)
  10. Callarse
  11. Yebba’s Heartbreak por Drake & YEBBA
  12. No hay amigos en la industria
  13. Knife Talk (Ft.21 Savage y Project Pat)
  14. 7AM en camino de herradura
  15. Carrera de mi mente
  16. Fuentes (Ft. Tems)
  17. Llevarse bien mejor (Ft. Ty Dolla $ ign)
  18. Solo se vive dos veces (Ft. Lil Wayne y Rick Ross)
  19. IMY2 (Ft. Kid Cudi)
  20. Jodidos fans
  21. El remordimiento

Amante certificado ‘ de Pato ya está dando mucho de qué hablar y no solo por cree a los Beatles, sino por las referencias a su vida privada que hace en el álbum. ¿Ya escuchaste el disco? Cuéntanos si crees que puede superar a ‘Donda’ de Kanye West.

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¿Por qué Drake acreditó a The Beatles en ‘Certified Lover Boy’?

Luego de dejar un mensaje críptico en el canal ESPN para confirmar la fecha de lanzamiento de su álbum, Pato publicó su disco en las plataformas digitales y lo lanzó en las tiendas físicas, sin embargo, algunos fans se percataron que los nombres de dos ex Beatles se encontraban en los creditos del disco.

Esto se debe a que Drake hace una interpolación de “Michelle” de Los Beatles, es decir, que tomó un elemento de esta composición para incluirla en la canción de apertura de su sexto álbum, titulada “Poesía Champaña”. Por este motivo, John Lennon y Paul McCartney son acreditados como coautores del álbum, ‘Amante certificado‘.

‘Tracklist’ de ‘Certified Lover Boy’

El nuevo álbum de Pato está compuesto por 21 canciones y también cuenta con invitados de Jay-Z, Nicki Minaj, Travis Scott, 21 Savage, Lil Baby y Yebba. De acuerdo con el crítico musical, Mark Savage, en los ‘tracks’ de ‘Amante certificado’, el rapero se divide entre “el sentimentalismo y la fanfarronería” para retratar sus temas habituales: “ha sido tergiversado e incomprendido; es mejor que los raperos que lo critican, pero también lastimado por sus faltas; y es eterna y fatalmente desafortunado en el amor”.

  1. Poesía Champaña
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OPERACIÓN RESCATE

“Basta el arranque de ‘Everyday I have the blues’ para darse cuenta que el rey del blues estaba en uno de esos días especiales en que la llama prendía”

Los presos no deben ser fáciles de conquistar, pero el rey del blues B.B. King decidió tocar para ellos en la cárcel del condado de Cook, en Chicago. Y no solo eso: grabó un disco en directo digno de escucha. Por Eduardo Izquierdo.

bb-rey-09-04-16-bb

BBKing
“Vivir en la cárcel del condado de Cook”
MCA, 1971

Texto: EDUARDO IZQUIERDO.

Son muchos los que consideran “Live at the Regal” (1965) el mejor disco en directo de los muchos publicados por B.B. King. Por otro lado también abundan los que consideran “At Folsom Prison” (1968) de Johnny Cash el mejor álbum nunca grabado en una prisión, pero ambos tienen un serio competir en sus respectivas categorías, y no es otro que “Live in Cook County Jail”, grabado el 10 de septiembre de 1970 en la prisión del condado de Cook, en Chicago.

https://www.youtube.com/watch?v=S4XRYX2A_LA

Considerado por “Rolling Stone” uno de los 500 mejores discos de todos los tiempos, King se muestra en todo su esplendor y lo hace ante una audiencia difícil, tal y como se percibe al principio de la grabación. Aunque solo es necesario el arranque de ‘Everyday I have the blues’, original de Memphis Slim, para darse cuenta que el rey del blues estaba en uno de esos días especiales en que la llama prendía.

https://www.youtube.com/watch?v=gElTJptuETQ

Le sigue ese ‘How blue can you get’ que Johnny Moore popularizaba en 1949 y King convertía en uno de sus grandes éxitos en 1964. Aquí suena rotunda, rockera, clásica. Pero lo mejor está por venir con el medley que integran ‘Three o’clock blues’, original de Lowell Fulson y el ‘Darlin’ you know I love you’ del propio King y, sobre todo, la que probablemente es la mejor interpretación nunca grabada del clásico ‘The thrill is gone’ escrita por Roy Hawkins y Rick Darnell en 1951, pero que B.B. incluía en su “Completely well” (1969) para convertirla en un auténtico hit.

https://www.youtube.com/watch?v=44FJYa7B9-M

En la grabación, registrada el 10 de septiembre de 1970, le acompañaron el bajista Wilbert Freeman, el baterista Sonny Freeman, John Browning a la trompeta, Louis Hubert y Booker Walker a los saxos y Ron Levy al piano.

¿Qué no tienen claro quién era el verdadero rey del blues? Busque, compare y si encuentra algo mejor, cómprelo.

Anterior entrega de Operación rescate: “Hermanos carnales”, de Surfin Bichos.

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OPERACIÓN RESCATE

“Basta el arranque de ‘Everyday I have the blues’ para darse cuenta que el rey del blues estaba en uno de esos días especiales en que la llama prendía”

Los presos no deben ser fáciles de conquistar, pero el rey del blues B.B. King decidió tocar para ellos en la cárcel del condado de Cook, en Chicago. Y no solo eso: grabó un disco en directo digno de escucha. Por Eduardo Izquierdo.

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Texto: EDUARDO IZQUIERDO.

Son muchos los que consideran “Live at the Regal” (1965) el mejor disco en directo de los muchos publicados por B.B. King. Por otro lado también abundan los que consideran “At Folsom Prison” (1968) de Johnny Cash el mejor álbum nunca grabado en una prisión, pero ambos tienen un serio competir en sus respectivas categorías, y no es otro que “Live in Cook County Jail”, grabado el 10 de septiembre de 1970 en la prisión del condado de Cook, en Chicago.

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Le sigue ese ‘How blue can you get’ que Johnny Moore popularizaba en 1949 y King convertía en uno de sus grandes éxitos en 1964. Aquí suena rotunda, rockera, clásica. Pero lo mejor está por venir con el medley que integran ‘Three o’clock blues’, original de Lowell Fulson y el ‘Darlin’ you know I love you’ del propio King y, sobre todo, la que probablemente es la mejor interpretación nunca grabada del clásico ‘The thrill is gone’ escrita por Roy Hawkins y Rick Darnell en 1951, pero que B.B. incluía en su “Completely well” (1969) para convertirla en un auténtico hit.

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¿Qué no tienen claro quién era el verdadero rey del blues? Busque, compare y si encuentra algo mejor, cómprelo.

Anterior entrega de Operación rescate: “Hermanos carnales”, de Surfin Bichos.

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MADRID. Hace la friolera de más de cuarenta años, Ray Charles actuó en el Florida Park de Madrid, una sala de fiestas situada dentro del parque de El Retiro. Era 1972, antes del atentado de ETA a Carrero Blanco, cuando todavía faltaban algunos años para que un golpe de aire sacudiese todos los cimientos y le diera la vuelta a tantos dogmas de fe que después se cayeron solos tras el paso de apenas una ligerísima brisa.

Era cuando Madrid era un pueblo grande al que habían dejado sin tranvías y colocado algunos scalextrix, cuando se conocía por su nombre a la mitad del barrio. Un Madrid lleno de cines de programas dobles, de películas de gladiadores y del oeste. Pero también un Madrid de extremos, lleno de escupideros y rabia contenida, de mucho frío y mucho calor. Y también un poco soñoliento, de colores apagados, no de blanco y negro, pero casi….

Un grupo de tres o cuatro chavales entre 10 y 15 años, qué por supuesto no tenían ni idea de quién era el llamado “Rey del soul” Ray Charles, ni falta que les hacía, estaban esa tarde de septiembre, como tantas otras, haraganeando por El Retiro como era su costumbre cuando no estaban en el colegio y dado que vivían en las proximidades del parque.

Esos chicos se estaban criando en El Retiro, un parque mucho más boscoso que el actual, y conocían cada uno de sus senderos y escondites como la palma de su mano. Sabían donde pescar, desde los caníbales del estanque hasta ranas y renacuajos o galápagos, dónde estaban las mejores lianas para lanzarse de un árbol a otro, qué cuestas eran más empinadas para tirarse por ellas, los mejores caminos para huir de los guardias del parque cuando les pillaban infraganti, las mejores explanadas para practicar el lanzamiento de piedras con sus tirachinas y para retar a otros chicos a combates de boxeo improvisados en cuestión de segundos tras leer las crónicas sobre los combates de Carrasco, Legrá o Urtain… O dónde esconderse a prueba de todo en la montaña rusa, las zonas más apartadas para poder fumarse algún pitillo, y, por supuesto, los lugares de concentración de las chicas más guapas.

Los chavales vieron algo de jaleo en las proximidades del Florida Park y se acercaron a curiosear. Estaba entrando mucha gente aunque no era de noche. Como expertos en la zona sabían que la sala de fiestas estaba acristalada por el techo y que saltándose un par de vallas entre la floresta había un lugar apartado donde, subidos a un árbol, podían encaramarse sobre el muro al que daba el cierre de cristal del recinto. Y eso hicieron sin demora, comprobando como la sala estaba atestada de público, en su mayor parte sentado en mesas, y que sobre un escenario había un piano y numerosos atriles y sillas, es decir, que se estaba preparando un concierto.

Visto lo cual decidieron quedarse a ver lo que pasaba ya que les gustaba la música. Tampoco tenían otra cosa mejor que hacer.

Y lo que pasó, que está recogido en las páginas de ABC por la periodista Pilar Trenas, bajo el título “Ray Charles llegó, cantó y triunfó”, fue lo siguiente….

A las ocho menos veinticinco una voz ‘en off’ anunció a la orquesta. Sucesivamente cada uno de los instrumentistas, todos uniformados, fueron interpretando algunas notas musicales. Primero un solo de trompeta, luego de saxofón, más tarde de trombón, para, después de un solo de batería, piano y contrabajo, cerrar con un conectado general de toda la orquesta. Nuevamente, en su segunda intervención musical cada uno de los componentes de la banda hizo un segundo “popurrí” con las canciones más famosas del patrón.

En seguida entraron en escena “Las Raelettes”, un coro de cinco chicas de color guapísimas con unos movimientos sincopados a los que los chavales no estaban acostumbrados. Las Raelettes, dijo Pilar Trenas, hicieron alarde de su gran “feeling” incorporando al público a su espectáculo. La canción “Rock Steady” original de Aretha Franklin y un blues fueron sus primeras dos interpretaciones a la que siguió “Tramp”.

Luego se hizo el silencio e iluminado por un foco y acompañado por un asistente que le ayudó a sentarse al piano apareció Ray Charles. Con unos movimientos poco ortodoxos que a los chicos recordó a los de algún amigo suyo al que siempre definían como “eléctrico” al no saber hacia dónde daría el siguiente respingo, Charles empezó a tocar una melodía muy rítmica, una canción preciosa que al momento el público, que por lo visto la conocía, acompañó de palmas y aplausos. Se trataba de Aleluya, la amo tanto.

No es que les gustase a los chicos, es que les encantó la canción y su sonido pegadizo, aunque todavía estaban preocupados por si alguien descubría su escondite. Desde luego, si Ray Charles no hubiera sido ciego, podría haber detectado unas diminutas cabezas asomando tras el cristal, ya que no estaban a más de 10 o 15 metros del cantante.

Luego, sigue Trenas, tocó Georgia en mi mente, canción que recuerda su infancia, cuando se quedó ciego por un glaucoma y no poder recibir un tratamiento médico debido a la pobreza de su familia, y más adelante la frenopática y divertida “Que diría que los chicos también corearon desde su escondite con el público. También canciones más recientes que hasta conocían los chavales, como versiones del “Eleanor Riggby” y de “Lucy in the sky with diamond” de los Beatles, que desde luego que les sonaban de la radio o de los guateques de sus hermanos mayores.

Según la cronista, acompañaban al cantante norteamericano más de treinta personas entre ellas 19 músicos en escena, sobre todo de viento, las cinco “raelettes”, dos “road manager”, dos guardaespaldas y su manager y en la sala había capacidad para unas seiscientas personas sentadas en mesas, pero llegaron a concentrarse hasta un millar, muchos de ellos de pie.

La crónica de Pilar Trenas hace mucho hincapié en la biografía de Ray Charles, su enfermedad, sus inicios en la música de forma autodidacta con el piano y el saxofón, de su estilo. “Ha creado su estilo propio: un “soul” en el que arroja todo su mundo interior con más fuerza, con más garra, con más rebeldía y arte que cualquier vidente” y cita al músico que se definió diciendo “intento rebelar mi alma (soul) para que la gente pueda comprender lo que soy yo. Quiero que la gente sienta mi alma.

Para la pandilla de chavales del barrio fue un pedazo de concierto. El primero que esos chicos contemplaban en directo y que no dejó de emocionarlos ni un segundo y eso que no sabían nada de nada, ni quién era ese tipo que parecía ciego y se movía de una forma tan rara, ni qué cantaba, ni qué representaba.

Aunque bien pensado, quizás todo eso fue lo mejor ya que no tenían prejuicios ni expectativas. Era una tarde más de septiembre, no tenían otra cosa que hacer y no se lo esperaban. Y escucharon una música que les emocionó, que les revolvió algo por dentro y hasta les hizo bailar en el árbol al que se sujetaban. Qué más se puede pedir.

A estas alturas ya se habrán dado cuenta de que uno de esos chavales del barrio era yo. Y les añado que desde entonces se me sigue poniendo la piel de gallina y se me van las piernas cada vez que escucho a Ray Charles cantar “Hallelujah I love her so”….

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Era cuando Madrid era un pueblo grande al que habían dejado sin tranvías y colocado algunos scalextrix, cuando se conocía por su nombre a la mitad del barrio. Un Madrid lleno de cines de programas dobles, de películas de gladiadores y del oeste. Pero también un Madrid de extremos, lleno de escupideros y rabia contenida, de mucho frío y mucho calor. Y también un poco soñoliento, de colores apagados, no de blanco y negro, pero casi….

Un grupo de tres o cuatro chavales entre 10 y 15 años, qué por supuesto no tenían ni idea de quién era el llamado “Rey del soul” Ray Charles, ni falta que les hacía, estaban esa tarde de septiembre, como tantas otras, haraganeando por El Retiro como era su costumbre cuando no estaban en el colegio y dado que vivían en las proximidades del parque.

Esos chicos se estaban criando en El Retiro, un parque mucho más boscoso que el actual, y conocían cada uno de sus senderos y escondites como la palma de su mano. Sabían donde pescar, desde los caníbales del estanque hasta ranas y renacuajos o galápagos, dónde estaban las mejores lianas para lanzarse de un árbol a otro, qué cuestas eran más empinadas para tirarse por ellas, los mejores caminos para huir de los guardias del parque cuando les pillaban infraganti, las mejores explanadas para practicar el lanzamiento de piedras con sus tirachinas y para retar a otros chicos a combates de boxeo improvisados en cuestión de segundos tras leer las crónicas sobre los combates de Carrasco, Legrá o Urtain… O dónde esconderse a prueba de todo en la montaña rusa, las zonas más apartadas para poder fumarse algún pitillo, y, por supuesto, los lugares de concentración de las chicas más guapas.

Los chavales vieron algo de jaleo en las proximidades del Florida Park y se acercaron a curiosear. Estaba entrando mucha gente aunque no era de noche. Como expertos en la zona sabían que la sala de fiestas estaba acristalada por el techo y que saltándose un par de vallas entre la floresta había un lugar apartado donde, subidos a un árbol, podían encaramarse sobre el muro al que daba el cierre de cristal del recinto. Y eso hicieron sin demora, comprobando como la sala estaba atestada de público, en su mayor parte sentado en mesas, y que sobre un escenario había un piano y numerosos atriles y sillas, es decir, que se estaba preparando un concierto.

Visto lo cual decidieron quedarse a ver lo que pasaba ya que les gustaba la música. Tampoco tenían otra cosa mejor que hacer.

Y lo que pasó, que está recogido en las páginas de ABC por la periodista Pilar Trenas, bajo el título “Ray Charles llegó, cantó y triunfó”, fue lo siguiente….

A las ocho menos veinticinco una voz ‘en off’ anunció a la orquesta. Sucesivamente cada uno de los instrumentistas, todos uniformados, fueron interpretando algunas notas musicales. Primero un solo de trompeta, luego de saxofón, más tarde de trombón, para, después de un solo de batería, piano y contrabajo, cerrar con un conectado general de toda la orquesta. Nuevamente, en su segunda intervención musical cada uno de los componentes de la banda hizo un segundo “popurrí” con las canciones más famosas del patrón.

En seguida entraron en escena “Las Raelettes”, un coro de cinco chicas de color guapísimas con unos movimientos sincopados a los que los chavales no estaban acostumbrados. Las Raelettes, dijo Pilar Trenas, hicieron alarde de su gran “feeling” incorporando al público a su espectáculo. La canción “Rock Steady” original de Aretha Franklin y un blues fueron sus primeras dos interpretaciones a la que siguió “Tramp”.

Luego se hizo el silencio e iluminado por un foco y acompañado por un asistente que le ayudó a sentarse al piano apareció Ray Charles. Con unos movimientos poco ortodoxos que a los chicos recordó a los de algún amigo suyo al que siempre definían como “eléctrico” al no saber hacia dónde daría el siguiente respingo, Charles empezó a tocar una melodía muy rítmica, una canción preciosa que al momento el público, que por lo visto la conocía, acompañó de palmas y aplausos. Se trataba de Aleluya, la amo tanto.

No es que les gustase a los chicos, es que les encantó la canción y su sonido pegadizo, aunque todavía estaban preocupados por si alguien descubría su escondite. Desde luego, si Ray Charles no hubiera sido ciego, podría haber detectado unas diminutas cabezas asomando tras el cristal, ya que no estaban a más de 10 o 15 metros del cantante.

Luego, sigue Trenas, tocó Georgia en mi mente, canción que recuerda su infancia, cuando se quedó ciego por un glaucoma y no poder recibir un tratamiento médico debido a la pobreza de su familia, y más adelante la frenopática y divertida “Que diría que los chicos también corearon desde su escondite con el público. También canciones más recientes que hasta conocían los chavales, como versiones del “Eleanor Riggby” y de “Lucy in the sky with diamond” de los Beatles, que desde luego que les sonaban de la radio o de los guateques de sus hermanos mayores.

Según la cronista, acompañaban al cantante norteamericano más de treinta personas entre ellas 19 músicos en escena, sobre todo de viento, las cinco “raelettes”, dos “road manager”, dos guardaespaldas y su manager y en la sala había capacidad para unas seiscientas personas sentadas en mesas, pero llegaron a concentrarse hasta un millar, muchos de ellos de pie.

La crónica de Pilar Trenas hace mucho hincapié en la biografía de Ray Charles, su enfermedad, sus inicios en la música de forma autodidacta con el piano y el saxofón, de su estilo. “Ha creado su estilo propio: un “soul” en el que arroja todo su mundo interior con más fuerza, con más garra, con más rebeldía y arte que cualquier vidente” y cita al músico que se definió diciendo “intento rebelar mi alma (soul) para que la gente pueda comprender lo que soy yo. Quiero que la gente sienta mi alma.

Para la pandilla de chavales del barrio fue un pedazo de concierto. El primero que esos chicos contemplaban en directo y que no dejó de emocionarlos ni un segundo y eso que no sabían nada de nada, ni quién era ese tipo que parecía ciego y se movía de una forma tan rara, ni qué cantaba, ni qué representaba.

Aunque bien pensado, quizás todo eso fue lo mejor ya que no tenían prejuicios ni expectativas. Era una tarde más de septiembre, no tenían otra cosa que hacer y no se lo esperaban. Y escucharon una música que les emocionó, que les revolvió algo por dentro y hasta les hizo bailar en el árbol al que se sujetaban. Qué más se puede pedir.

A estas alturas ya se habrán dado cuenta de que uno de esos chavales del barrio era yo. Y les añado que desde entonces se me sigue poniendo la piel de gallina y se me van las piernas cada vez que escucho a Ray Charles cantar “Hallelujah I love her so”….

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Dos leyendas del jazz como son el estadounidense Freddy Cole y el cubano Chucho Valdés protagonizarán dos de los cuatro conciertos del XIII Festival Internacional de Jazz de la Universidad de Valladolid (Universijazz 2014), presentado hoy y que este año traslada su escenario a la Hospedería de San Benito.

Frente al jazz clásico de los pianistas Freddy Cole y Chucho Valdés, y del saxofonista Kenny Garrett, la canadiense Sheila Cooper y su cuarteto cierran “uno de los mejores carteles” que ha tenido el Universijazz a lo largo de sus trece ediciones, en palabras del músico José Luis Gutiérrez, coordinador de este certamen.

“Han transcurrido trece ediciones, trece momentos, pero no somos nada supersticiosos, todo lo contrario porque seguimos muy optimistas y orgullosos”, ha subrayado Gutiérrez antes de recordar que Freddy Cole -hermano de Nat King Cole- y su grupo abrirá el 15 de julio el primeros de los conciertos programados.

Nacido en 1931 y con veintiséis discos a su nombre, Cole “es historia viva del jazz clásico, el de verdad, no el de escuela, una leyenda de los años cincuenta”, ha resumido el coordinador durante una rueda de prensa que ha presentado el nuevo vicerrector de Relaciones Internacionales y Extensión Universitaria, José Ramón González.

El 16 de julio es la fecha reservada para el pianista cubano Chucho Valdés y su grupo The Afro-Cuban Messengers, ganador de siete Grammy, tres ellos de jazz latino, “un artista absolutamente incontestable al frente de uno de los grandes grupos de la historia”, según Gutiérrez.

Kenny Garret, anunciado el 17 de julio, es “el último gran saxofonista de la época de Mile Davis”, con el que grabó más de un disco, ha añadido.

Cierra el Universijazz 2014, el 18 de julio, la saxofonista, compositora y vocalista canadiense Sheila Cooper y su cuarteto, que combina modernidad y clasicismo, como contraste a la presencia en Valladolid, este verano, de “tres leyendas del jazz”, ha insistido.

El Universijazz, después de dos años en el auditorio del Museo de la Ciencia, estrenará nuevo auditorio en el histórico patio de la Hospedería de San Benito, “un escenario fantástico” por su carácter “íntimo y recoleto”, propicio para público y artistas, y que añade un mayor aforo al de anteriores escenarios.

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Frente al jazz clásico de los pianistas Freddy Cole y Chucho Valdés, y del saxofonista Kenny Garrett, la canadiense Sheila Cooper y su cuarteto cierran “uno de los mejores carteles” que ha tenido el Universijazz a lo largo de sus trece ediciones, en palabras del músico José Luis Gutiérrez, coordinador de este certamen.

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Nacido en 1931 y con veintiséis discos a su nombre, Cole “es historia viva del jazz clásico, el de verdad, no el de escuela, una leyenda de los años cincuenta”, ha resumido el coordinador durante una rueda de prensa que ha presentado el nuevo vicerrector de Relaciones Internacionales y Extensión Universitaria, José Ramón González.

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Cierra el Universijazz 2014, el 18 de julio, la saxofonista, compositora y vocalista canadiense Sheila Cooper y su cuarteto, que combina modernidad y clasicismo, como contraste a la presencia en Valladolid, este verano, de “tres leyendas del jazz”, ha insistido.

El Universijazz, después de dos años en el auditorio del Museo de la Ciencia, estrenará nuevo auditorio en el histórico patio de la Hospedería de San Benito, “un escenario fantástico” por su carácter “íntimo y recoleto”, propicio para público y artistas, y que añade un mayor aforo al de anteriores escenarios.

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The Black Keys han llevado su nuevo álbum a la televisión nocturna: mira su actuación en Colbert a continuación.

El dúo de Ohio -el cantante y guitarrista Dan Auerbach y el baterista Patrick Carney- lanzó el viernes (15 de mayo) ‘Delta Kream’, su nuevo álbum de versiones de blues.

En su actuación en el programa The Late Show With Stephen Colbert el día del lanzamiento del álbum, tocaron dos temas del nuevo disco.

Grabado en el Blue Front Café de Mississippi, un lugar emblemático en la historia de la música blues del estado, Auerbach, Carney y su banda de acompañamiento interpretaron sus versiones de ‘Crawling Kingsnake’ de Junior Kimbrough (originalmente de John Lee Hooker) y ‘Going Down South’ de R.L. Burnside.

Vea las dos actuaciones a continuación:

En su reseña de ‘Delta Kream’, Rhys Buchanan, de NME, escribió: “El característico contoneo soulful de The Black Keys está presente en todo el disco, en gran parte porque las canciones están muy alineadas con su propio blues-rock crujiente.

“Stay All Night’ se dispara con la voz de Auerbach, que capta el dolor del oficio de forma experta. El dúo no deja de explorar el sonido y el espíritu de las leyendas del blues a través de este viaje un tanto atemporal.

“Este disco refuerza una retirada voluntaria y gradual del espacio del rock juggernaut que The Black Keys ocupó una vez. Las malhumoradas jams burbujean con autenticidad en un viaje profundamente satisfactorio hacia atrás en el tiempo. Aunque es poco probable que este disco devuelva a la banda o a los hitos culturales que cubren a la cima, es un movimiento de búsqueda del alma que satisface a su propio fandom mientras demuestra que nunca se comprometerá”.

‘Delta Kream’ es el primer lanzamiento del dúo desde su noveno disco de estudio ‘Let’s Rock’ en 2019.

“Hicimos este disco para honrar la tradición del blues de las colinas del Mississippi que nos influyó al empezar”, dijo Auerbach sobre el nuevo disco en un comunicado. “Estas canciones siguen siendo tan importantes para nosotros hoy como lo fueron el primer día que Pat y yo empezamos a tocar juntos y cogimos nuestros instrumentos”.

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El dúo de Ohio -el cantante y guitarrista Dan Auerbach y el baterista Patrick Carney- lanzó el viernes (15 de mayo) ‘Delta Kream’, su nuevo álbum de versiones de blues.

En su actuación en el programa The Late Show With Stephen Colbert el día del lanzamiento del álbum, tocaron dos temas del nuevo disco.

Grabado en el Blue Front Café de Mississippi, un lugar emblemático en la historia de la música blues del estado, Auerbach, Carney y su banda de acompañamiento interpretaron sus versiones de ‘Crawling Kingsnake’ de Junior Kimbrough (originalmente de John Lee Hooker) y ‘Going Down South’ de R.L. Burnside.

Vea las dos actuaciones a continuación:

En su reseña de ‘Delta Kream’, Rhys Buchanan, de NME, escribió: “El característico contoneo soulful de The Black Keys está presente en todo el disco, en gran parte porque las canciones están muy alineadas con su propio blues-rock crujiente.

“Stay All Night’ se dispara con la voz de Auerbach, que capta el dolor del oficio de forma experta. El dúo no deja de explorar el sonido y el espíritu de las leyendas del blues a través de este viaje un tanto atemporal.

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OPERACIÓN RESCATE

“Dayron se acerca a Clapton y le consulta si le apetece grabar un disco con Howlin’ Wolf. El británico no se lo cree. El lobo aullador es uno de sus grandes ídolos y grabar con él es un sueño hecho realidad. ”

Corría 1970 cuando Eric Clapton recibió una oferta especial: le invitaron a participar en el disco de uno de sus ídolos, Howlin’ Wolf. Lo que ocurrió en la célebre grabación se registró en un trabajo que ahora recupera Eduardo Izquierdo.

howlin-wolf-london-sesiones-11-06-16-b

Howlin’Wolf
“Las sesiones de London Howlin ‘Wolf”

AJEDREZ, 1971

Texto: EDUARDO IZQUIERDO.

El 10 de junio de 1910 nacía en White Station (Mississippi) Chester Arthur Burnett, o lo que es lo mismo, Howlin’Wolf. Esta misma semana hemos celebrado los 106 años de su nacimiento. Y a vueltas con las efemérides: es curioso que hace tan solo unas semanas, el 20 de mayo, se publicó el vigésimo segundo álbum de estudio de Eric Clapton, “I still do”. Hace casi cincuenta años que ambos cruzaron sus caminos: fue a principios de mayo de 1970, para grabar junto a otros grandes nombres de la música de nuestro tiempo el legendario “The London Howlin’ Wolf sessions”. Hablemos de él.

Camerino del Fillmore de San Francisco, 1969. Tras la actuación de la Paul Butterfield Band, el productor de Chess, Norman Dayron, se encuentra con los Electric Flag de Mike Bloomfield y Buddy Miles, y Cream, el súper grupo integrado por Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker. Ni corto ni perezoso, Dayron se acerca a Clapton y le consulta si le apetece grabar un disco con Howlin’ Wolf. El británico no se lo cree. El lobo aullador es uno de sus grandes ídolos y grabar con él es un sueño hecho realidad. Así que con 60 años, Wolf coge a su guitarrista y mano derecha Humbert Sumlin y se planta en Londres para grabar una sesión en la que al consabido “mano lenta” se unirán Steve Winwood, Charlie Watts, Ian Stewart, Bill Wyman y Ringo Starr. Una pléyade de artistas a la altura de la leyenda del bluesman.

El grupo se encierra en los Olympic Studios de la capital británica y a última hora se añade otro miembro de la banda de Wolf, el excelente armonicista Jeffrey M. Carp. El protagonista ya peina canas, pero acaba encontrándose muy a gusto al lado de aquellos jóvenes que, para su sorpresa, dominan el blues a la perfección. Curiosamente, Wolf había empezado las sesiones con dudas sobre la capacidad de aquellos jóvenes que, a base de groove, acaban con cualquier reticencia. Graban clásicos de la discografía del de Chicago como ‘Rockin daddy’ o ‘Worried about me’ y tiran de versiones, sobre todo de Willie Dixon, que suenan frescas y rejuvenecidas: ‘I ain’t superstitious’, ‘The red rooster’. ‘Do the do’ o ‘Wang-dang-doodle’.

https://www.youtube.com/watch?v=XtpL-7HhAl8

En 2003 Universal reedita el disco para añadir a las trece canciones originales hasta quince temas más que incluyen algún inédito y tomas alternativas de las canciones incluidas en la edición original. Y el disco, que en su primer lanzamiento solo había llegado hasta el puesto 28 de las listas de blues, logra alzarse hasta el 6 con su reedición. Un puesto que lo acerca un poco al lugar que merece en la historia del blues.

Anterior Operación rescate: ““¿Quién eres?” (1978), de The Who”.

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OPERACIÓN RESCATE

“Dayron se acerca a Clapton y le consulta si le apetece grabar un disco con Howlin’ Wolf. El británico no se lo cree. El lobo aullador es uno de sus grandes ídolos y grabar con él es un sueño hecho realidad. ”

Corría 1970 cuando Eric Clapton recibió una oferta especial: le invitaron a participar en el disco de uno de sus ídolos, Howlin’ Wolf. Lo que ocurrió en la célebre grabación se registró en un trabajo que ahora recupera Eduardo Izquierdo.

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Howlin’Wolf
“Las sesiones de London Howlin ‘Wolf”

AJEDREZ, 1971

Texto: EDUARDO IZQUIERDO.

El 10 de junio de 1910 nacía en White Station (Mississippi) Chester Arthur Burnett, o lo que es lo mismo, Howlin’Wolf. Esta misma semana hemos celebrado los 106 años de su nacimiento. Y a vueltas con las efemérides: es curioso que hace tan solo unas semanas, el 20 de mayo, se publicó el vigésimo segundo álbum de estudio de Eric Clapton, “I still do”. Hace casi cincuenta años que ambos cruzaron sus caminos: fue a principios de mayo de 1970, para grabar junto a otros grandes nombres de la música de nuestro tiempo el legendario “The London Howlin’ Wolf sessions”. Hablemos de él.

Camerino del Fillmore de San Francisco, 1969. Tras la actuación de la Paul Butterfield Band, el productor de Chess, Norman Dayron, se encuentra con los Electric Flag de Mike Bloomfield y Buddy Miles, y Cream, el súper grupo integrado por Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker. Ni corto ni perezoso, Dayron se acerca a Clapton y le consulta si le apetece grabar un disco con Howlin’ Wolf. El británico no se lo cree. El lobo aullador es uno de sus grandes ídolos y grabar con él es un sueño hecho realidad. Así que con 60 años, Wolf coge a su guitarrista y mano derecha Humbert Sumlin y se planta en Londres para grabar una sesión en la que al consabido “mano lenta” se unirán Steve Winwood, Charlie Watts, Ian Stewart, Bill Wyman y Ringo Starr. Una pléyade de artistas a la altura de la leyenda del bluesman.

El grupo se encierra en los Olympic Studios de la capital británica y a última hora se añade otro miembro de la banda de Wolf, el excelente armonicista Jeffrey M. Carp. El protagonista ya peina canas, pero acaba encontrándose muy a gusto al lado de aquellos jóvenes que, para su sorpresa, dominan el blues a la perfección. Curiosamente, Wolf había empezado las sesiones con dudas sobre la capacidad de aquellos jóvenes que, a base de groove, acaban con cualquier reticencia. Graban clásicos de la discografía del de Chicago como ‘Rockin daddy’ o ‘Worried about me’ y tiran de versiones, sobre todo de Willie Dixon, que suenan frescas y rejuvenecidas: ‘I ain’t superstitious’, ‘The red rooster’. ‘Do the do’ o ‘Wang-dang-doodle’.

https://www.youtube.com/watch?v=XtpL-7HhAl8

En 2003 Universal reedita el disco para añadir a las trece canciones originales hasta quince temas más que incluyen algún inédito y tomas alternativas de las canciones incluidas en la edición original. Y el disco, que en su primer lanzamiento solo había llegado hasta el puesto 28 de las listas de blues, logra alzarse hasta el 6 con su reedición. Un puesto que lo acerca un poco al lugar que merece en la historia del blues.

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Otro año más que se celebrará DC Fandome y parece que The Batman tendrá su momento, además de muchos otros detalles

Como decía Bob Dylan, y más tarde Jimi Hendrix, los tiempos están cambiando, y con la llegada del COVID a muchos nos cambió pero bien. Muchas empresas del entretenimiento han visto modificadas sus estrategias de ventas debido a la situación que ha supuesto esta enfermedad, además de tener que posponer muchos de los proyectos que estaban pensados. DC Comics no iba a ser diferente, aprovechando esto con una idea interesante, pero no innovadora.

Durante el pasado año, al igual que todos los años, una de las convenciones más habituales se planteó, pero debido a la situación de COVID se decidió no realizar de forma presencial. Estamos hablando de la San Diego Comic Con, conocida enormemente por los aficionados a esta industria, que tuvo lugar de forma telemática y de la que la editorial de DC decidió ignorar un poco y crear su propio evento: DC Fandome.

A través de su propio evento, la editorial se encargó de condensar todas sus novedades y mostrarlas al público en un directo realizado por ellos mismos, sin compartir espacio con ningún otro. Las cosas no le fueron mal por lo que este 2021 no iba a ser diferente y quieren repetir la hazaña. Con fecha para el próximo sábado 16 de octubre, parece que DC Fandome 2021 tendrá lugar en un único día, pudiendo ser transmitido en Twitch, YouTube, Facebook y Twitter, siempre pudiendo seguirlo desde su propia web, también.

Lo importante de todo esto radica en que ya nos habrían comentado, en términos generales, lo que piensan traernos para ese día. Uno de los platos más fuertes, y que hace honor al titular de esta entrada, es un nuevo tráiler sobre The Batman, que será su estreno mundial y que aparecerá directamente en esta transmisión en directo, mostrando algunos metrajes más de los que vimos. En aspectos de cine, parece que podremos ver las primeras imágenes de Black Adam y The Flash, dejándonos los dientes largos para ese día.

El Batman - DC Fandome

Para el resto de cintas comentarán algunos detalles, pero el plato fuerte se lo han llevado las tres antes mencionadas. En el apartado de las series de televisión se hará homenaje al final de Supergirl y se dará un vistazo a la próxima serie que tienen para estrenar con Naomi. No obstante, actualizarán el estado de cada una de sus series de The CW, como nos tienen acostumbrados. Sobre los proyectos de animación han comentado que mostraran imágenes de la película que se está preparando de Injustice, además de la próxima serie limitada de Aquaman, como principales referentes.

Ya sea de una forma o de otra, parece que el próximo 16 de octubre vamos a tener que estar pegados a alguno de los servicios de streaming para no perdernos nada de lo que tienen que traernos, ya que también mostrarán novedades en videojuegos y en cómics. Básicamente tratarán todos los ámbitos en los que se van a mover y que The Batman vaya a estrenar un nuevo tráiler en el evento, seguramente anime a más de uno, solo por ver a Robert Pattinson de nuevo. ¿Tenéis ganas de que lleguen ya todas estas actualizaciones?

El Batman - DC Fandome

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El Batman - DC Fandome

Para el resto de cintas comentarán algunos detalles, pero el plato fuerte se lo han llevado las tres antes mencionadas. En el apartado de las series de televisión se hará homenaje al final de Supergirl y se dará un vistazo a la próxima serie que tienen para estrenar con Naomi. No obstante, actualizarán el estado de cada una de sus series de The CW, como nos tienen acostumbrados. Sobre los proyectos de animación han comentado que mostraran imágenes de la película que se está preparando de Injustice, además de la próxima serie limitada de Aquaman, como principales referentes.

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Kenny Neal estará esta noche en el escenario central.

El guitarrista de Luisiana presenta hoy en el escenario central su último trabajo, premiado con el Grammy al mejor disco de blues

JOSU OLARTE SAN SEBASTIÁN.

Tras la visita de Zac Harmon, el Hondarribia Blues anuncia para esta noche en su escenario central a otro reputado bluesman con linaje sureño como Kenny Neal, cantante, músico (guitarra, lap steel, bajo, armónica ) y compositor que, desde hace tres décadas, viene renovando y dando a conocer el mundo el blues pantanoso de Luisiana. Una puesta al día que el artista nacido hace 50 años en Nueva Orleans viene practicando combinando las raíces criollas, campestres y francesas de Baton Rouge (swamp blues, country, cajun y zydeco) con ecos modernos de soul, funk o rock.

Hijo del cantante y armonicista de blues Raful Neal, coetáneo y colega de Buddy Guy y un Slim Harpo (quien le regaló a los tres años su primera armónica), Neal es el primogénito de una familia de diez hermanos (todos músicos) y el principal representante de una saga entregada al blues en la que se ha apoyado para desarrollar una carrera con proyección internacional.

Influido Jimmy Reed, Howlin’ Wolf, Lightnin’ Hopkins, Lazy Lester, Little Walter o Muddy Waters además de su padre y el propio Harpo, para entones Kenny ya llevaba años en la banda de su padre, aún menor de edad, como bajista de Buddy Guy y poco despues en Toronto (Canadá) donde se afincó para formar con su hermano Noel el grupo Neal Brothers.

A su sonado estreno siguieron otro cinco discos en Alligator entre 1989 y 1994 que propiciaron un breve paso porla escena musical de Broadway de la mano de Taj Mahal pero sobre todo sucesivos conciertos por todo el orbe, incluyendo Japón, donde giró con BB King, y África, donde conectó con el blues del Sahel. «No entendía lo que decían pero pero fue como decir: ahora sé de dónde vengo. Era como gospel. Tocaban instrumentos de cuerda y sonaban muy blues», diría Kenny a propósito de su paso en 1993 por Uganda y Ruanda.

En su etapa más fértil, fue captadopor el sello de blues-jazz Telarc que avaló discos como ‘Blues Fallin’ Down Like Rain’ (1998), ‘What You Got’ (2000), o ‘One Step Closer’ (2001), que propiciaron múltiples galardones bluseros y grabaciones independientes, como ‘Easy Meeting’ (2003 con Billy Branch) o ‘Double Take’ (2004). Un año después llegó su disco de tributo a Slim Harpo y a su recién fallecido padre, ‘Tribute To Slim Harpo & Raful Neal’ (en un trágico 2004 había perdido además a su hermano Ronnie y a su hermana Jackie). Quizás por eso, a partir de ahí Kenny baja un tanto su perfil artístico. Hace terapia con la dupla ‘Let life flow’ (2008) y ‘Hooked on your love’ (2008) (combinando en ambos las crudo sonido de Luisiana con estilizado soul de Memphis y Chicago), pero se refugia en la vida hogareña y apenas registra en siete años un disco testimonial como y el navideño ‘I’ll be home for Christmas’ (2015).

Mecenas local

Reafincado en Baton Rouge, de un tiempo a esta parte parecía entregado a componer en al ámbito doméstico y dedicar su tiempo a su familia, a su colección de coches clásicos y a sus labor benéfica que incluye la apertura del ‘Kenny’s Juke Join’ un local en el que los músicos de su zona puedan reunirse y tocar libremente.

Pero el mayor de los Neal ha vuelto con fuerzas renovadas gracias a su nuevo álbum ‘Bloodline’, premiado este año con el Grammy al mejor disco de blues, que se añaden a los dos galardones que la Blues Foundation Music le ha concedido asimismo al Mejor Artista y Disco de Blues Contemporáneo». «Siento que sigo la tradición de mi padre que empezó de cero tocando junto al río en Erwinville (Luisiana). Éste disco está dedicado a él, a mis hermanos desaparecidos y a toda mi familia», dijo a propósito de su último trabajo, registrado en múltiples sesiones por el perfeccionista bluesman en Nashville, Los Angeles y la ciudad en que creció, Baton Rouge.

Neal presentará el disco apoyado en una banda que, como no podía ser de otra forma, hay músicos de su sangre. Al margen del baterista habitual Bryan Morris, el bajo y el teclado y en bajo estarán en manos de su fieles hermanos y escuderos Darnell y Frederick. Director musical y guitarrista ocasional de la banda, del otro teclado suele encargarse Tyree Neal, mientras que el Alphonso Guillory estará a esos metales que tanto protagonismo tienen en ‘Bloodline’.

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JOSU OLARTE SAN SEBASTIÁN.

Tras la visita de Zac Harmon, el Hondarribia Blues anuncia para esta noche en su escenario central a otro reputado bluesman con linaje sureño como Kenny Neal, cantante, músico (guitarra, lap steel, bajo, armónica ) y compositor que, desde hace tres décadas, viene renovando y dando a conocer el mundo el blues pantanoso de Luisiana. Una puesta al día que el artista nacido hace 50 años en Nueva Orleans viene practicando combinando las raíces criollas, campestres y francesas de Baton Rouge (swamp blues, country, cajun y zydeco) con ecos modernos de soul, funk o rock.

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A su sonado estreno siguieron otro cinco discos en Alligator entre 1989 y 1994 que propiciaron un breve paso porla escena musical de Broadway de la mano de Taj Mahal pero sobre todo sucesivos conciertos por todo el orbe, incluyendo Japón, donde giró con BB King, y África, donde conectó con el blues del Sahel. «No entendía lo que decían pero pero fue como decir: ahora sé de dónde vengo. Era como gospel. Tocaban instrumentos de cuerda y sonaban muy blues», diría Kenny a propósito de su paso en 1993 por Uganda y Ruanda.

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Mecenas local

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