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Scorpion y Sub-Zero son a menudo el rostro de Mortal Kombat, pero, como algunos pueden olvidar, también lo es Liu Kang. El icónico guerrero de Earthrealm atraviesa un viaje en Mortal Kombat Legends: La venganza de Scorpion y Mortal Kombat Legends: Batalla de los reinos, también. El editor senior de juegos Michael Leri habló con el actor de voz de Liu Kang en la película, Jordan Rodrigues, sobre el ascenso de Liu Kang, su relación con Raiden y más. Esta entrevista contiene grandes spoilers.

En Scorpion’s Revenge, Liu Kang dice que se siente un fracaso por no poder derrotar a Goro. Raiden luego le dice que derrotar a Goro no estaba en su destino. Dado ese intercambio y cómo él no es realmente el gran héroe en esa película, ¿cómo describirías a Liu Kang solo en Scorpion’s Revenge?

Liu Kang, durante toda la película, se siente listo para asumir cualquier desafío al que se enfrente. Se siente como un maestro en su oficio y realmente quiere mostrar eso para salvar Earthrealm. Creo que se siente un poco frustrado con Raiden porque es como contener a un perro hambriento. Realmente obtienes la satisfacción de por qué él es el elegido en la segunda película.

RELACIONADO: Entrevista: Joel McHale sobre la voz de Johnny Cage en Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms

Raiden es obviamente una gran influencia en Liu Kang. Respeta los deseos de Raiden y parece idolatrarlo. ¿Cómo describirías su relación en esta película y qué crees que significa Raiden para Liu Kang?

Raiden es una figura paterna a los ojos de Liu Kang. Lo crió, lo entrenó y le enseñó respeto y paciencia. Su relación realmente es profunda con eso. Debido a que estás realmente involucrado en la relación entre esos dos, la audiencia está diez veces más involucrada en los personajes y también en la historia. Tienen una relación realmente especial.

Entrevista: Mortal Kombat Legends VA habla sobre ver a Liu Kang convertirse en el elegido

Rick Morales y Jeremy Adams hablaron sobre la relación de Liu Kang y Raiden y dijeron que él era como una figura paterna para Liu Kang. ¿Puedes hablar con eso? Raiden “muere” en esta película. Kung Lao muere en esta película. Sus padres también mueren al principio. Parece que todos los que son muy importantes para él mueren. ¿Cómo crees que todas estas muertes ayudan a dar forma a Liu Kang, especialmente a la de Raiden?

Con cada muerte, solo agrega leña al fuego del corazón ardiente de Liu Kang. Entrena más duro, lucha más duro. Y mantiene cerca de su corazón a aquellos con los que está cerca y respeta el tiempo que tiene con estas personas. No solo puedes ver su relación especial con Raiden, sino también con Johnny Cage, Sonya Blade y todos los demás personajes. Es muy reconfortante.

Esto podría entrar en territorio de especulación, pero ¿dónde crees que está Liu Kang mentalmente al final de la película? Ha tomado el lugar de Raiden como protector de Earthrealm.

Realmente es un estudiante durante la primera y la segunda película. Y aunque pensó que estaba listo en esos momentos, Lord Raiden estaba diciendo: “Ten paciencia. Tu tiempo llegará.” Una vez que subió de nivel al estado de dios, todo se volvió claro y omnisciente. Y creo que cuando alcanzas esa etérea, si esa es una palabra, todo se vuelve tranquilo y uno. Tuve que retratar eso en mi actuación. Creo que es genial verlo convertirse en el elegido.

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RELACIONADO: Entrevista: Joel McHale sobre la voz de Johnny Cage en Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms

Raiden es obviamente una gran influencia en Liu Kang. Respeta los deseos de Raiden y parece idolatrarlo. ¿Cómo describirías su relación en esta película y qué crees que significa Raiden para Liu Kang?

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Realmente es un estudiante durante la primera y la segunda película. Y aunque pensó que estaba listo en esos momentos, Lord Raiden estaba diciendo: “Ten paciencia. Tu tiempo llegará.” Una vez que subió de nivel al estado de dios, todo se volvió claro y omnisciente. Y creo que cuando alcanzas esa etérea, si esa es una palabra, todo se vuelve tranquilo y uno. Tuve que retratar eso en mi actuación. Creo que es genial verlo convertirse en el elegido.

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Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings ve el regreso de The Incredible Hulk’s Abomination en la película, con un aspecto evolucionado y un nuevo arco.

Advertencia: contiene SPOILERS para Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos.

En un giro sorpresa, Abomination regresó al MCU en una nueva película de Phase 4 Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos pero con un look más evolucionado desde su última aparición. Si bien no ha habido ningún solo Casco películas desde 2008 El increíble Hulk, el Gigante de Jade ha estado casi siempre presente desde la Fase Uno gracias a que Mark Ruffalo reemplazó a Ed Norton. Mientras tanto, el general Ross de William Hurt ha regresado en varios lanzamientos de la Fase 3 y 4 y Betty Ross incluso regresó a Marvel. Y si…?, con otro actor en lugar de Liv Tyler. El único personaje principal de esa película que no había regresado hasta ahora era Emil Blonsky, también conocido como Abominación.


Ya se sabe que la bestia villana de Tim Roth está lista para regresar en Ella Hulk, pero, como confirma el segundo tráiler de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, Abomination es uno de los cameos de devolución de llamada independiente. Cuando Shang-Chi y Katy descubren el torneo de lucha subterráneo de Xialing, encuentran a Abomination luchando contra el bibliotecario Doctor Strange Wong (Benedict Wong). Según lo confirmado por los cineastas, Tim Roth en realidad volvió a expresar los gruñidos del personaje.

Relacionado: Escenas de créditos finales de Shang-Chi configuran 5 películas y programas de MCU

Shang-Chi y las leyendas de los diez anillos ‘ La versión de Abomination ha pasado por una especie de cambio de imagen desde El increíble Hulk. Dado que han pasado más de 10 años desde la última Casco película lanzada, es natural que haya cambiado. Visualmente, Abomination parece más preciso en los cómics que en El increíble Hulk, con un rostro sorprendentemente más humano. Si bien Abomination sigue siendo del mismo tamaño, sus rasgos faciales han evolucionado más desde 2008, pero parece que sus mutaciones han ido más lejos desde que estuvo en la prisión de Raft.

Hulk-Villano-Abominación-En-Shang-Chi

Algo que al MCU le faltaba de la contraparte cómica del villano eran sus orejas con aletas. Gracias a su Shang-Chi y las leyendas de los diez anillos apariencia, ahora se han agregado para que parezca más fiel al material original. Además de eso, sus protuberancias óseas de aspecto temible parecen haberse desarrollado aún más y sus brazos son más musculosos y menos vasculares, con un aspecto más como una armadura en capas. A pesar de que ya tienen trampas realmente impresionantes, también son más grandes en la Fase 4.

El mayor cambio no es estético sino ideológico: aunque está luchando contra Wong en el torneo de Macao, Abomination no es su enemigo. Wong se refiere a entrenar con él y la pareja tiene una camaradería obvia mientras regresan a la prisión de Raft. Bien podría ser que Ella Hulk El programa termina explicando lo que Wong estaba preparando con la enorme bestia en términos del entrenamiento que menciona. Quizás Shang-Chi y las leyendas de los diez anillos ¿Estaba destinado a rendir homenaje al plan inicial de la Fase Uno para contratar a la bestia de Blonsky para el primer equipo de los Vengadores? Tal vez no sea el villano de Ella Hulk que se ha sospechado durante mucho tiempo.

SIGUIENTE: Explicación del final de Shang-Chi: Respuestas a las 6 preguntas más importantes

  • Eternos (2021)Fecha de lanzamiento: 05 de noviembre de 2021
  • Spider-Man: Sin camino a casa (2021)Fecha de lanzamiento: 17 de diciembre de 2021
  • Doctor extraño en el multiverso de la locura (2022)Fecha de lanzamiento: 25 de marzo de 2022
  • Thor: amor y trueno (2022)Fecha de lanzamiento: 6 de mayo de 2022
  • Black Panther: Wakanda Forever / Black Panther 2 (2022)Fecha de lanzamiento: 08 de julio de 2022
  • Las maravillas / Capitán Marvel 2 (2022)Fecha de lanzamiento: 11 de noviembre de 2022
  • Ant-Man y la avispa: Quantumania (2023)Fecha de lanzamiento: 17 de febrero de 2023
  • Guardianes de la Galaxia Vol. 3 (2023)Fecha de lanzamiento: 05 de mayo de 2023

Simu Liu de Shang-Chi no fue reprendido por criticar al CEO de Disney


Sobre el Autor

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Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings ve el regreso de The Incredible Hulk’s Abomination en la película, con un aspecto evolucionado y un nuevo arco.

Advertencia: contiene SPOILERS para Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos.

En un giro sorpresa, Abomination regresó al MCU en una nueva película de Phase 4 Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos pero con un look más evolucionado desde su última aparición. Si bien no ha habido ningún solo Casco películas desde 2008 El increíble Hulk, el Gigante de Jade ha estado casi siempre presente desde la Fase Uno gracias a que Mark Ruffalo reemplazó a Ed Norton. Mientras tanto, el general Ross de William Hurt ha regresado en varios lanzamientos de la Fase 3 y 4 y Betty Ross incluso regresó a Marvel. Y si…?, con otro actor en lugar de Liv Tyler. El único personaje principal de esa película que no había regresado hasta ahora era Emil Blonsky, también conocido como Abominación.


Ya se sabe que la bestia villana de Tim Roth está lista para regresar en Ella Hulk, pero, como confirma el segundo tráiler de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, Abomination es uno de los cameos de devolución de llamada independiente. Cuando Shang-Chi y Katy descubren el torneo de lucha subterráneo de Xialing, encuentran a Abomination luchando contra el bibliotecario Doctor Strange Wong (Benedict Wong). Según lo confirmado por los cineastas, Tim Roth en realidad volvió a expresar los gruñidos del personaje.

Relacionado: Escenas de créditos finales de Shang-Chi configuran 5 películas y programas de MCU

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SIGUIENTE: Explicación del final de Shang-Chi: Respuestas a las 6 preguntas más importantes

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Sobre el Autor

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Ha sido larga la espera hasta que pueda contarte sobre Maligno, los La nueva película de terror de James Wan. Es una apuesta arriesgada que había generado mucha sospecha, alimentada por la ausencia de pases de prensa previos al estreno de la película (que llegará a Estados Unidos el día 10). Finalmente, hemos podido ver el nuevo trabajo del director malayo que supone algo nuevo en su filmografía.

Como ya saben muchos de nuestros lectores, Wan es una institución en el género de terror desde que debutó en 2004 con Vio y también un talento a la hora de fundar franquicias de terror original, diferente, pero siempre angustiante, como en el caso de Insidioso, que tuvo su secuela en 2013. Aquí se apunta al final un posible regreso también en forma de secuela.

Para esta película, Wan ha contado con sus colaboradores habituales, el director de fotografía Don Burgess y el editor Kirk Morri, el diseñador de producción Desma Murphy, así como la diseñadora de vestuario Lisa Norcia.

La musica es obra de Joseph Bishara, que ha compuesto la banda sonora de las siete películas de la universo de Expediente Warren: El conjuro, entre muchas otras obras.

Repasamos las sagas de terror con más películas hasta la fecha. Serie de películas que te congelarán la sangre y te llevarán al límite del miedo.

Si necesitas una actualización sobre dicho universo, hemos visto tres episodios de la serie madre, tres spin-offs centrados en el terrible muñeco que los presentaba en el prólogo de El conjuro (Annabelle, Annabelle: Creación y Annabelle vuelve a casa) y dos spin-offs presentados a posteriori: el de La Llorona y el de La monja, basado en el personaje lanzado en El caso Enfield.

En esa película también señalaron a otro ser sobrenatural que tendrá su propia película: El hombre torcido. La última entrega en llegar, este año, fue la tercera entrega del Archivo Warren: Forzado por el diablo.

¿Hay algún elemento de la saga Warren File que resuene con Maligno?

El guión de Maligno ha sido coescrito por Wan y Akela Cooper, que también está detrás del guión de La monja 2, aún sin una fecha de lanzamiento definida. Y la película protagoniza una excelente Annabelle Wallis, quien protagonizó el spin-off Annabelle en 2014 y aquí se entrega en cuerpo y alma.

Y hasta ahora las concomitancias, porque Wan quería hacer una pequeña y modesta película con la que poder rendir homenaje a la amarillo o lo que es lo mismo, hundirse en los orígenes de un tipo de cine que combina slasher, terror psicológico y sobrenatural, policía y misterio aunque sin cumplir plenamente con sus reglas estilísticas. En resumen: quería jugar y experimentar.

¿De que trata la película?

Maligno nos cuenta la historia de Madison, una mujer que presencia visiones terribles dignas de las peores pesadillas. Las cosas no mejoran cuando se da cuenta de que estas visiones no solo están en su cabeza, sino que en realidad están ocurriendo en nuestro mundo y que están relacionadas con su tormentoso pasado familiar.

En términos generales, podemos decir que Maligno es una película fallida y tremendamente irregular. La banda sonora de Bishara no ayuda en nada: esta vez su trabajo es mucho menos convincente, con contrastes que desembocan en secuencias que descarrilan el tono y estropean el estado de ánimo de la película.

Una universidad de Finlandia ha estudiado la forma en que el cerebro humano reacciona a las películas de terror. ¿Qué partes son las más activas? Los resultados son realmente curiosos.

Sin embargo, Wan sabe cómo generar trepidación y trepidación en la audiencia: dispara con sagacidad algunas escenas de acción y otras de verdadero horror y juega con algunos elementos de la escenografía y el punto de vista de los personajes que muestra un enorme dominio de la psicología del espectador. .

La película se descarrila cuando se gira para introducir precisamente esos homenajes: aunque los encuadres, el color, los muy primeros planos o el lado expresionista de la interpretación de los protagonistas tienen mucho éxito, otros aspectos nos remiten a un cine de serie B que sí lo hace. No hacerle justicia a lo que pudo haber sido esta película.

Hay diálogos sonrojados, los personajes no dejan de tomar decisiones estúpidas y las relaciones entre ellos no solo no son creíbles sino que rayan en lo ridículo.

Una multa, Maligno Es una película de terror algo extraña, pero no menos interesante porque tiene destellos de genialidad esparcidos por todo su metraje irregular. Es una de esas cintas que te hace salir del cine chasqueando la lengua y pensando: “Maldita sea, dentro de esta película había una gran película de terror arruinada por malas decisiones de base”.

Aunque Wan es un habitual en las películas de terror desde el guión, la dirección y la producción, no le repugnan otros géneros: dos de sus películas más recientes se han centrado en él. UCM, con Aquaman en 2018 y Aquaman y el reino perdido, que actualmente se encuentra en pleno rodaje.

El caso es que, cuando vuelve al género, parece querer seguir indagando en él para aportar algo nuevo, algo que los que seguimos su carrera agradecemos, incluso cuando no entrega obras redondas.

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Repasamos las sagas de terror con más películas hasta la fecha. Serie de películas que te congelarán la sangre y te llevarán al límite del miedo.

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En los gloriosos días del cómic franco-belga, hace más o menos medio siglo, eran raros los autores que no usaban corbata. Fotografiados en sus talleres o durante festivales, los Hergé, Uderzo, Franquins y otros casi todos aparecían con el cuello envuelto en una tela lisa o estampada, prenda de una respetabilidad que entonces carecía dolorosamente en un ambiente necesitado de reconocimiento.

Artículo reservado para nuestros suscriptores Leer también Un aperitivo con Julien Doré: “Hace tiempo que soy una caricatura de mí mismo”

Es en homenaje a esta edad de oro, y a sus gigantes desaparecidos, que Bastien Vivès ha optado recientemente por el accesorio de ropa querido por Gaston Lagaffe desde sus inicios. Aviones biplanos multicolores se cruzan en su corbata de poliéster, atada a una camisa a rayas para el mejor efecto. En el bistró-restaurante Le Temps des cerises, rue de la Ceriseraie (París 4mi), no lejos de su apartamento parisino, pide un kir. En los años setenta, el agradecido dibujante …

El fin de la “adolescencia”

Pero, ¿qué pasó con quien, estos días, comienza a promocionar su versión de Corto Maltese, el héroe de Hugo Pratt? La primera vez que se escribió su nombre en los Mundo, en 2009, Bastien Vivès tenía 25 años y estaba acompañado por una halagadora reputación de “Nuevo prodigio” desde 9mi Arte. Adepto al dibujo en tableta digital, bordaba bluettes plagadas de amores frustrados y coqueteos imposibles, que eran especialmente válidos por la fluidez de una narrativa rica en procesos cinematográficos adaptados al papel. El hombre superdotado cultivaba, al mismo tiempo, la imagen de un adolescente indecentemente retrasado, obsesionado con las mujeres de grandes pechos y las emociones del paso a la edad adulta.

El superdotado cultivó una imagen de un adolescente indecentemente retrasado, obsesionado con las mujeres tetonas y las emociones de la mayoría de edad.

Esta lenta madurez, Bastien Vivès, la ha acompañado durante mucho tiempo con un look ad hoc (pelo largo, gafas redondas, zapatillas raídas) y un diletantismo de fachada. Hasta que todo cambió, hace cinco años, en un festival de cómics en Toronto, donde conoció a Ella, una profesora de inglés con un gran interés en la literatura estadounidense, que se convirtió en su esposa: “Fue ella quien me sacó de la melancolía de la infancia”, él dijo. Luego vino Michel, ahora de 3 años. Donde volvemos al orgulloso puerto de la corbata estampada: “Mi hijo tenía que poder florecer frente a una figura paterna fuerte”, bromea. Dejando a un lado las bromas, Vivès ha pasado página a la “adolescencia”, esa especie de no elección entre la adolescencia y la edad adulta. ” Era hora “, se admite a sí mismo, ahora de 37 años.

Tienes el 68,77% de este artículo para leer. El resto es solo para suscriptores.

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En los gloriosos días del cómic franco-belga, hace más o menos medio siglo, eran raros los autores que no usaban corbata. Fotografiados en sus talleres o durante festivales, los Hergé, Uderzo, Franquins y otros casi todos aparecían con el cuello envuelto en una tela lisa o estampada, prenda de una respetabilidad que entonces carecía dolorosamente en un ambiente necesitado de reconocimiento.

Artículo reservado para nuestros suscriptores Leer también Un aperitivo con Julien Doré: “Hace tiempo que soy una caricatura de mí mismo”

Es en homenaje a esta edad de oro, y a sus gigantes desaparecidos, que Bastien Vivès ha optado recientemente por el accesorio de ropa querido por Gaston Lagaffe desde sus inicios. Aviones biplanos multicolores se cruzan en su corbata de poliéster, atada a una camisa a rayas para el mejor efecto. En el bistró-restaurante Le Temps des cerises, rue de la Ceriseraie (París 4mi), no lejos de su apartamento parisino, pide un kir. En los años setenta, el agradecido dibujante …

El fin de la “adolescencia”

Pero, ¿qué pasó con quien, estos días, comienza a promocionar su versión de Corto Maltese, el héroe de Hugo Pratt? La primera vez que se escribió su nombre en los Mundo, en 2009, Bastien Vivès tenía 25 años y estaba acompañado por una halagadora reputación de “Nuevo prodigio” desde 9mi Arte. Adepto al dibujo en tableta digital, bordaba bluettes plagadas de amores frustrados y coqueteos imposibles, que eran especialmente válidos por la fluidez de una narrativa rica en procesos cinematográficos adaptados al papel. El hombre superdotado cultivaba, al mismo tiempo, la imagen de un adolescente indecentemente retrasado, obsesionado con las mujeres de grandes pechos y las emociones del paso a la edad adulta.

El superdotado cultivó una imagen de un adolescente indecentemente retrasado, obsesionado con las mujeres tetonas y las emociones de la mayoría de edad.

Esta lenta madurez, Bastien Vivès, la ha acompañado durante mucho tiempo con un look ad hoc (pelo largo, gafas redondas, zapatillas raídas) y un diletantismo de fachada. Hasta que todo cambió, hace cinco años, en un festival de cómics en Toronto, donde conoció a Ella, una profesora de inglés con un gran interés en la literatura estadounidense, que se convirtió en su esposa: “Fue ella quien me sacó de la melancolía de la infancia”, él dijo. Luego vino Michel, ahora de 3 años. Donde volvemos al orgulloso puerto de la corbata estampada: “Mi hijo tenía que poder florecer frente a una figura paterna fuerte”, bromea. Dejando a un lado las bromas, Vivès ha pasado página a la “adolescencia”, esa especie de no elección entre la adolescencia y la edad adulta. ” Era hora “, se admite a sí mismo, ahora de 37 años.

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Kanye West El gerente dejó caer algunas noticias interesantes y su relación con Chris Brown . The Shade Room tiene los detalles completos sobre este tema, y ​​puede consultarlos a continuación.

TSR señala que, según TMZ, todo va bien con Breezy y Kanye West. En cuanto a Drake, la carne está aplastada pero bajo una contingencia.

RELACIONADO: La campaña presidencial de Kanye West bajo fuego en Virginia

En una entrevista exclusiva con TMZ, Bu Thiam, el manager de Yeezy, declaró que ‘Breezy y el rapero de Chicago resolvieron las cosas después de que Breezy declarara que Kanye era un “h * e”, cuando su canción destacada no llegó a #Donda’.

Continuó diciendo que las cosas también se aplastaron con Drake siempre y cuando no critique a Yeezy en el próximo álbum de CLB.

RELACIONADO: Kanye West estrena nuevo single; Confirma el nuevo álbum

‘Bu nos dice que las cosas están bien entre Ye y Drizzy, pero todo eso podría cambiar si Drake apunta a Kanye en cualquier canción de’ CLB ‘, donde es casi seguro que Kanye tenga que responder’ ‘, informó TMZ según TSR.

Alguien dijo: ‘Así que básicamente HAY carne de res … porque todos sabemos cómo va Drake 🤣’ y un comentarista publicó esto: ‘Bueno, será mejor que estés listo para lanzar un lujo, porque Drake definitivamente discute a los hombres en CLB’.

Otro seguidor dijo: ‘¿Cómo vas a poner la dirección de la casa completa de alguien y luego agitar la bandera blanca?’, Y un comentarista publicó esto: ‘Drake a Scorpio para que sepas que viene la mezquindad 🤷🏽‍♀️ nuff dijo ’

Un comentarista publicó esto: ‘Nunca pensé que vería el día en que Kanye se convertiría en el viejo rapero amargado’, y un seguidor dijo: ‘Filtró la dirección de Drake, es mejor que esperes que lo único que haga sea criticarte en el álbum lol tf⁉ 😂. ‘

Kanye fue noticia el otro día cuando se reveló que engañó Kim Kardashian tras el nacimiento de sus dos primeros hijos. Según los informes, también es su inspiración para la canción Hurricane.

Page Six acaba de revelar que más fuentes confirmaron el hecho de que este es el significado detrás de las letras reveladoras en la canción de ‘Donda’, este es su último álbum que fue lanzado con mucha fanfarria y controversia.

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En una entrevista exclusiva con TMZ, Bu Thiam, el manager de Yeezy, declaró que ‘Breezy y el rapero de Chicago resolvieron las cosas después de que Breezy declarara que Kanye era un “h * e”, cuando su canción destacada no llegó a #Donda’.

Continuó diciendo que las cosas también se aplastaron con Drake siempre y cuando no critique a Yeezy en el próximo álbum de CLB.

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‘Bu nos dice que las cosas están bien entre Ye y Drizzy, pero todo eso podría cambiar si Drake apunta a Kanye en cualquier canción de’ CLB ‘, donde es casi seguro que Kanye tenga que responder’ ‘, informó TMZ según TSR.

Alguien dijo: ‘Así que básicamente HAY carne de res … porque todos sabemos cómo va Drake 🤣’ y un comentarista publicó esto: ‘Bueno, será mejor que estés listo para lanzar un lujo, porque Drake definitivamente discute a los hombres en CLB’.

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Kanye fue noticia el otro día cuando se reveló que engañó Kim Kardashian tras el nacimiento de sus dos primeros hijos. Según los informes, también es su inspiración para la canción Hurricane.

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Festival de Cine de Venecia

No es de extrañar que para su debut como directora Maggie Gyllenhaal eligiera el desafiante trabajo de adaptar la novela tremendamente compacta de la autora italiana Elena Ferrante. La hija perdida. La película acaba de hacer su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia y se dirige a Telluride este fin de semana.

La última hija se centra en el tipo de personaje fuerte pero complicado e incluso embrujado al que Gyllenhaal a menudo se ha desviado en sus propias decisiones de actuación, y al conseguir que Olivia Colman interprete a una mujer sola en unas vacaciones junto al mar, experimentando momentos de ajuste de cuentas y recuerdos oscuros para una elección que le cambiará la vida. hecha décadas antes, ha creado una primera película memorable que se toma sus propias libertades con el libro (la ubicación se traslada de Italia a Grecia para empezar) pero es más importante fiel al presentar un estudio de la maternidad en toda su cruda complejidad. Puede ser difícil de aceptar para algunas audiencias, pero otras apreciarán este doloroso retrato de una persona que se reconcilia con el pasado de una manera poderosa de contemplar en un entorno donde este tipo de revelación es de lo más inesperado. Es una elección valiente, pero no esperaría menos de Gyllenhaal, que sigue demostrando ser una artista que avanza hacia el límite en busca de verdades, sin importar cuán incómodas puedan ser confrontarlas.

Reseña del Festival de Cine de Venecia ‘Dune’: Timothée Chalamet en la versión espectacular y definitoria del clásico de culto de ciencia ficción de Denis Villeneuve

Fecha límite

ColmanEl favorito, la corona, el padre) se le da una oportunidad tan rica como jamás ha tenido, y quizás su actuación más compleja y, en cierto modo, desgarradora desde 2011 Tiranosaurio La conocemos como Leda, una turista aparentemente típica de una ciudad de vacaciones junto al mar griega, una mujer de unos 40 años que se toma unas vacaciones prolongadas, lleva trabajo y lee a la playa todos los días y encuentra su serenidad temporal cuando una gran familia extensa aparece inquietante. la calma. Colman juega la mayor parte de esto en silencio, pero no necesita diálogo en ningún momento para hacernos saber con sus ojos exactamente lo que está pensando. Poco a poco vemos que su atención se desvía del trabajo que tiene entre manos – nos enteramos de que es una profesora que alquiló un apartamento para el verano – y sigue mirando a una hermosa joven, Nina (una excelente Dakota Johnson) y a su pequeña Elena, que se agarra su muñeca. Entonces, ¿por qué está tan obsesionada con ellos?

Gyllenhaal, a través de su adaptación y dirección, no completa muchos detalles, sino que nos permite sumergirnos tranquilamente en el punto de vista de Leda, incluso cuando parece bastante desagradable como en los momentos en los que rechaza la solicitud de una mujer embarazada de moverse un poco más abajo. ella puede mantener unida a su familia. Un incidente en el que entra el pánico cuando Elena parece haber desaparecido finalmente se calma cuando Leda se une a la búsqueda y encuentra a la niña. Esto alivia las tensiones con el resto de bañistas y permite una disculpa a la embarazada (Dagmar Domincyck), así como un agradecimiento directo de Nina. Sin embargo, se vuelve más profundo cuando Elena se enfada por perder a su amada muñeca, una muñeca que Leda ha guardado inexplicablemente en su propio bolso y se la ha llevado a su apartamento.

Esa muñeca se convierte en un personaje que corre, ya que se convierte en una obsesión para Leda, lo que lleva a una serie de flashbacks de su propia vida como madre de dos niñas. Jessie Buckley asume el papel de manera muy efectiva como la Leda más joven que vemos en varias etapas de la maternidad, pero también como una académica orientada a su carrera que siente que formar una familia con su esposo menos emocionante también está interfiriendo con sus propias ambiciones. Los flashbacks luego se intercalan a medida que las vacaciones de Leda se convierten en recuerdos profundamente ocultos, arrepentimientos y una introspección retrasada sobre la crianza de sus propias hijas, ahora mayores y en sus 20 años. Una decisión de vida sorprendente la acecha cuando debe enfrentar las decisiones tomadas que nunca podrá retractarse.

Netflix

Gran parte de la película se desarrolla en esos flashbacks y escenas con Leda en la playa, en su apartamento o en la pequeña ciudad. Gyllenhaal y Colman dejaron que todas las piezas de este rompecabezas se sumaran de manera deliberada y lenta, pero especialmente en las escenas que involucran su fijación en la muñeca, nunca se convirtió en una receta para hacernos creer que Leda se está volviendo loca y que en cualquier momento todo esto va a desaparecer. conviértase en gran guiñol. Gyllenhaal es demasiado inteligente y Colman demasiado bueno para dejar que esos pensamientos nos distraigan, aunque te preguntes acerca de esta obsesión por el juguete de un niño. Todo hace que los secretos, las mentiras y las revelaciones sean aún más poderosas cuando llegan.

Curiosamente, mi mente seguía volviendo a la versión cinematográfica de 1968 de otra pequeña obra literaria, la obra de John Cheever. El nadador, donde vimos a Burt Lancaster como un hombre aparentemente nadando a casa a través de una serie de piscinas vecinas, sin saber sus razones o dónde terminará la película. De hecho, Leda tiene varios encuentros con diferentes personas en el camino hacia su propio despertar, incluido el buen hombre (Ed Harris) que la instala en el apartamento e intenta entablar una amistad en el camino, y el joven Will (Paul Mescal) de la playa que también se hace amiga de ella hasta el punto en que sospecha que esto podría estar yendo en otra dirección, hasta que no lo hace. Sus interacciones cada vez mayores con Nina, así como con varios otros, son vitales, pero secundarias al enfoque directo en lo que está sucediendo en estas vacaciones a Leda, y todo construyendo un clímax conmovedor, apropiadamente en una playa.

Simplemente no se puede decir lo suficiente sobre la actuación de Colman aquí, una tan profunda e inmersiva, sus momentos más reveladores no consisten en palabras sino solo en el rostro desgarradoramente expresivo de una mujer en una crisis privada de conciencia que se lava en lo que se supone que es. unas vacaciones relajantes cuando finalmente vuelva a estar realmente sola. Es el espectáculo de Colman hasta el final, y una indicación más, si lo necesitabas, de que ella es una de las grandes. Buckley, al compartir el papel, también vuelve a demostrar su extraordinaria variedad. Peter Sarsgaard (el esposo de Gyllenhaal) aparece brevemente en los flashbacks y también interpreta a un profesor con el que la joven Leda se involucra románticamente en un viaje lejos de su propio esposo y familia.

Los créditos de producción, incluida la excelente cinematografía de Helene Louvart, son de primer nivel, con un reconocimiento especial a la partitura musical excepcional y vibrante de Dickon Hinchliffe que realmente ayuda a definir los tonos cambiantes de la pieza. Gyllenhaal también se desempeña como productor junto con Charlie Dorfman, Osnat Handelsman-Keren y Talia Kleinhendler.

Netflix planea una breve presentación teatral exclusiva a mediados de diciembre seguida de un debut en transmisión a fin de año.

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Festival de Cine de Venecia

No es de extrañar que para su debut como directora Maggie Gyllenhaal eligiera el desafiante trabajo de adaptar la novela tremendamente compacta de la autora italiana Elena Ferrante. La hija perdida. La película acaba de hacer su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia y se dirige a Telluride este fin de semana.

La última hija se centra en el tipo de personaje fuerte pero complicado e incluso embrujado al que Gyllenhaal a menudo se ha desviado en sus propias decisiones de actuación, y al conseguir que Olivia Colman interprete a una mujer sola en unas vacaciones junto al mar, experimentando momentos de ajuste de cuentas y recuerdos oscuros para una elección que le cambiará la vida. hecha décadas antes, ha creado una primera película memorable que se toma sus propias libertades con el libro (la ubicación se traslada de Italia a Grecia para empezar) pero es más importante fiel al presentar un estudio de la maternidad en toda su cruda complejidad. Puede ser difícil de aceptar para algunas audiencias, pero otras apreciarán este doloroso retrato de una persona que se reconcilia con el pasado de una manera poderosa de contemplar en un entorno donde este tipo de revelación es de lo más inesperado. Es una elección valiente, pero no esperaría menos de Gyllenhaal, que sigue demostrando ser una artista que avanza hacia el límite en busca de verdades, sin importar cuán incómodas puedan ser confrontarlas.

Reseña del Festival de Cine de Venecia ‘Dune’: Timothée Chalamet en la versión espectacular y definitoria del clásico de culto de ciencia ficción de Denis Villeneuve

Fecha límite

ColmanEl favorito, la corona, el padre) se le da una oportunidad tan rica como jamás ha tenido, y quizás su actuación más compleja y, en cierto modo, desgarradora desde 2011 Tiranosaurio La conocemos como Leda, una turista aparentemente típica de una ciudad de vacaciones junto al mar griega, una mujer de unos 40 años que se toma unas vacaciones prolongadas, lleva trabajo y lee a la playa todos los días y encuentra su serenidad temporal cuando una gran familia extensa aparece inquietante. la calma. Colman juega la mayor parte de esto en silencio, pero no necesita diálogo en ningún momento para hacernos saber con sus ojos exactamente lo que está pensando. Poco a poco vemos que su atención se desvía del trabajo que tiene entre manos – nos enteramos de que es una profesora que alquiló un apartamento para el verano – y sigue mirando a una hermosa joven, Nina (una excelente Dakota Johnson) y a su pequeña Elena, que se agarra su muñeca. Entonces, ¿por qué está tan obsesionada con ellos?

Gyllenhaal, a través de su adaptación y dirección, no completa muchos detalles, sino que nos permite sumergirnos tranquilamente en el punto de vista de Leda, incluso cuando parece bastante desagradable como en los momentos en los que rechaza la solicitud de una mujer embarazada de moverse un poco más abajo. ella puede mantener unida a su familia. Un incidente en el que entra el pánico cuando Elena parece haber desaparecido finalmente se calma cuando Leda se une a la búsqueda y encuentra a la niña. Esto alivia las tensiones con el resto de bañistas y permite una disculpa a la embarazada (Dagmar Domincyck), así como un agradecimiento directo de Nina. Sin embargo, se vuelve más profundo cuando Elena se enfada por perder a su amada muñeca, una muñeca que Leda ha guardado inexplicablemente en su propio bolso y se la ha llevado a su apartamento.

Esa muñeca se convierte en un personaje que corre, ya que se convierte en una obsesión para Leda, lo que lleva a una serie de flashbacks de su propia vida como madre de dos niñas. Jessie Buckley asume el papel de manera muy efectiva como la Leda más joven que vemos en varias etapas de la maternidad, pero también como una académica orientada a su carrera que siente que formar una familia con su esposo menos emocionante también está interfiriendo con sus propias ambiciones. Los flashbacks luego se intercalan a medida que las vacaciones de Leda se convierten en recuerdos profundamente ocultos, arrepentimientos y una introspección retrasada sobre la crianza de sus propias hijas, ahora mayores y en sus 20 años. Una decisión de vida sorprendente la acecha cuando debe enfrentar las decisiones tomadas que nunca podrá retractarse.

Netflix

Gran parte de la película se desarrolla en esos flashbacks y escenas con Leda en la playa, en su apartamento o en la pequeña ciudad. Gyllenhaal y Colman dejaron que todas las piezas de este rompecabezas se sumaran de manera deliberada y lenta, pero especialmente en las escenas que involucran su fijación en la muñeca, nunca se convirtió en una receta para hacernos creer que Leda se está volviendo loca y que en cualquier momento todo esto va a desaparecer. conviértase en gran guiñol. Gyllenhaal es demasiado inteligente y Colman demasiado bueno para dejar que esos pensamientos nos distraigan, aunque te preguntes acerca de esta obsesión por el juguete de un niño. Todo hace que los secretos, las mentiras y las revelaciones sean aún más poderosas cuando llegan.

Curiosamente, mi mente seguía volviendo a la versión cinematográfica de 1968 de otra pequeña obra literaria, la obra de John Cheever. El nadador, donde vimos a Burt Lancaster como un hombre aparentemente nadando a casa a través de una serie de piscinas vecinas, sin saber sus razones o dónde terminará la película. De hecho, Leda tiene varios encuentros con diferentes personas en el camino hacia su propio despertar, incluido el buen hombre (Ed Harris) que la instala en el apartamento e intenta entablar una amistad en el camino, y el joven Will (Paul Mescal) de la playa que también se hace amiga de ella hasta el punto en que sospecha que esto podría estar yendo en otra dirección, hasta que no lo hace. Sus interacciones cada vez mayores con Nina, así como con varios otros, son vitales, pero secundarias al enfoque directo en lo que está sucediendo en estas vacaciones a Leda, y todo construyendo un clímax conmovedor, apropiadamente en una playa.

Simplemente no se puede decir lo suficiente sobre la actuación de Colman aquí, una tan profunda e inmersiva, sus momentos más reveladores no consisten en palabras sino solo en el rostro desgarradoramente expresivo de una mujer en una crisis privada de conciencia que se lava en lo que se supone que es. unas vacaciones relajantes cuando finalmente vuelva a estar realmente sola. Es el espectáculo de Colman hasta el final, y una indicación más, si lo necesitabas, de que ella es una de las grandes. Buckley, al compartir el papel, también vuelve a demostrar su extraordinaria variedad. Peter Sarsgaard (el esposo de Gyllenhaal) aparece brevemente en los flashbacks y también interpreta a un profesor con el que la joven Leda se involucra románticamente en un viaje lejos de su propio esposo y familia.

Los créditos de producción, incluida la excelente cinematografía de Helene Louvart, son de primer nivel, con un reconocimiento especial a la partitura musical excepcional y vibrante de Dickon Hinchliffe que realmente ayuda a definir los tonos cambiantes de la pieza. Gyllenhaal también se desempeña como productor junto con Charlie Dorfman, Osnat Handelsman-Keren y Talia Kleinhendler.

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Lamentablemente, todo ha terminado para Kaley Cuoco y su esposo Karl Cook.

La actriz, mejor conocida por sus papeles en The Big Bang Theory y The Flight Attendant, confirmó el viernes que ella y Cook se habían separado después de tres años de matrimonio.

“A pesar de un profundo amor y respeto mutuos, nos hemos dado cuenta de que nuestros caminos actuales nos han llevado en direcciones opuestas”, dijeron los cónyuges en un comunicado conjunto.

Agregaron a la revista People:

“Ambos hemos compartido gran parte de nuestro viaje públicamente, así que aunque preferiríamos mantener en privado este aspecto de nuestra vida personal, queríamos estar juntos en nuestra verdad.

“No hay rabia ni animosidad, todo lo contrario.

“Hemos tomado esta decisión juntos a través de una inmensa cantidad de respeto y consideración el uno por el otro y les pedimos que hagan lo mismo en el entendimiento de que no compartiremos ningún detalle adicional ni comentaremos más”.

Kaley Cuoco besa a Karl Cook en Suiza

Los jinetes comenzaron a salir en 2016 y anunciaron su compromiso en noviembre de 2017.

Se casaron en San Diego, California en junio de 2018.

El verano pasado, cada uno rindió homenaje al otro con motivo de su aniversario de bodas.

“Nueva York, 30 de junio de 2016 es el año en que nos conocimos”, escribió Cuoco en una foto de la pareja.

“¡2 años antes de casarnos y ahora 3 años de casados!

“¡¿Por qué has estado casada conmigo por tanto tiempo ?! Estoy sinceramente impresionado @mrtankcook jajaja te amo oh tanto que no tienes idea … ¡¡¡feliz aniversario !!!”

Karl Cook y Kaley Cuoco en los Globos

Cook, mientras tanto, compartió su propia publicación en ese momento, escribiendo:

“Estoy de acuerdo @kaleycuoco Estoy tan sorprendido de que hayan pasado tres años, se siente como un destello.

“¡¡Te amo mucho y no puedo esperar un millón de años más !!”

Kaley Cuoco y Karl Cook en 2018

En lo que quizás debería haber sido una señal de que las cosas no iban perfectas entre la pareja, Kaley admitió en 2019 que no vivían en la misma casa.

“Tenemos un matrimonio muy poco convencional”, le dijo Cuoco a E! Noticia en agosto de ese año.

“Tenemos diferentes ubicaciones en las que estamos.

“Sabes, no estamos juntos todos los días y creo que, personalmente, es importante, nos funciona bien”.

Kaley Cuoco en los Globos

Sin embargo, en la primavera de 2020, en medio de la pandemia de coronavirus, la pareja decidió dar el gran paso para finalmente mudarse juntos.

“Ha sido genial para nuestra relación, y nos agradamos, nos dimos cuenta, lo cual es aún mejor”, le dijo Cuoco a Jimmy Kimmel en su programa de entrevistas en abril pasado.

Por desgracia, claramente no estaba destinado a ser entre Kaley Cuoco y Karl Cook.

Les deseamos a ambos lo mejor.

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Kaley Cuoco besa a Karl Cook en Suiza

Los jinetes comenzaron a salir en 2016 y anunciaron su compromiso en noviembre de 2017.

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Kaley Cuoco y Karl Cook en 2018

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Les deseamos a ambos lo mejor.

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Temporada 7 de Fortnite Vi que sucedieron muchas cosas en la isla del gigante de Battle Royale. Con cosas como Alien conquistando la isla y los héroes de DC haciendo su debut, solo tendría sentido que esta temporada saliera con fuerza. Ahora, la temporada llega a su fin con un nuevo evento en el juego llamado Operación: Sky Fire el 12 de septiembre

Revelado en una publicación de blog en el sitio web oficial de Epic Games, Operación: Sky Fire tendrá lugar el 12 de septiembre a las 4 pm ET, y te verá a ti y a un equipo de ataque infiltrándose en la nave nodriza de los alienígenas y entregándoles un mensaje final. El evento permitirá el acceso a los jugadores durante 30 minutos antes para garantizar que puedan reservar un lugar en la misión. Epic también se aseguró de informar a los creadores de contenido que el evento no se puede volver a reproducir y que deberán “tomar las medidas adecuadas para registrar y archivar su experiencia y compartirla con todos”. Este evento no solo verá el final de la invasión alienígena, sino que probablemente también proporcionará algún tipo de configuración sobre qué esperar en la temporada 8.

fortnite-temporada-7

Imagen a través de Epic Games

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Con la temporada terminando en las próximas semanas, esta será la última oportunidad del jugador para completar los desafíos restantes de la temporada 7. Epic también hace un punto para que los jugadores sepan que sus lingotes de oro se reiniciarán con la semana salvaje de Bargain Bin que comienza el 9 de septiembre. “Para ayudarte en el camino, una nueva misión legendaria te recompensará por descargar tu alijo de barras con un poco de XP final para completar tu pase de batalla”. Dicen que deben asegurarse de que los jugadores intercambien sus artefactos alienígenas para obtener diferentes estilos de Kymera y opciones de piel. Finalmente, señalan que, si bien las misiones de Superman que desbloquean la variante única de Glider, Pickaxe y Shadow del Son of Krypton deben completarse para cuando llegue el momento. Operación: Sky Fire comienza, las misiones de fuera del Pase de batalla como Vox Hunter y LeBron James se trasladarán a la próxima temporada.

Operación: Sky Fire tendrá lugar el 12 de septiembre. Echa un vistazo a la sinopsis de Fortnite‘s Operación: Sky Fire debajo.

Con la mira de la nave nodriza puesta en la base secreta de la Orden Imaginada en Corny Complex, Slone ha ideado un plan para acabar con la Invasión de una vez por todas. Respondiste sus llamadas, trabajaste como agente encubierto para el IO; ahora es el momento de infiltrarte en The Last Reality y poner fin a la ocupación de Alien.

Es hora de comenzar: Operación: Sky Fire.

SEGUIR LEYENDO: El tráiler de juego de ‘Call of Duty: Vanguard’ muestra la Segunda Guerra Mundial desde la perspectiva de un francotirador ruso


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5 grandes actuaciones de Marvel demasiado perfectas para unirse al multiverso de MCU

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Sobre el Autor

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Temporada 7 de Fortnite Vi que sucedieron muchas cosas en la isla del gigante de Battle Royale. Con cosas como Alien conquistando la isla y los héroes de DC haciendo su debut, solo tendría sentido que esta temporada saliera con fuerza. Ahora, la temporada llega a su fin con un nuevo evento en el juego llamado Operación: Sky Fire el 12 de septiembre

Revelado en una publicación de blog en el sitio web oficial de Epic Games, Operación: Sky Fire tendrá lugar el 12 de septiembre a las 4 pm ET, y te verá a ti y a un equipo de ataque infiltrándose en la nave nodriza de los alienígenas y entregándoles un mensaje final. El evento permitirá el acceso a los jugadores durante 30 minutos antes para garantizar que puedan reservar un lugar en la misión. Epic también se aseguró de informar a los creadores de contenido que el evento no se puede volver a reproducir y que deberán “tomar las medidas adecuadas para registrar y archivar su experiencia y compartirla con todos”. Este evento no solo verá el final de la invasión alienígena, sino que probablemente también proporcionará algún tipo de configuración sobre qué esperar en la temporada 8.

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Imagen a través de Epic Games

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Con la temporada terminando en las próximas semanas, esta será la última oportunidad del jugador para completar los desafíos restantes de la temporada 7. Epic también hace un punto para que los jugadores sepan que sus lingotes de oro se reiniciarán con la semana salvaje de Bargain Bin que comienza el 9 de septiembre. “Para ayudarte en el camino, una nueva misión legendaria te recompensará por descargar tu alijo de barras con un poco de XP final para completar tu pase de batalla”. Dicen que deben asegurarse de que los jugadores intercambien sus artefactos alienígenas para obtener diferentes estilos de Kymera y opciones de piel. Finalmente, señalan que, si bien las misiones de Superman que desbloquean la variante única de Glider, Pickaxe y Shadow del Son of Krypton deben completarse para cuando llegue el momento. Operación: Sky Fire comienza, las misiones de fuera del Pase de batalla como Vox Hunter y LeBron James se trasladarán a la próxima temporada.

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Con la mira de la nave nodriza puesta en la base secreta de la Orden Imaginada en Corny Complex, Slone ha ideado un plan para acabar con la Invasión de una vez por todas. Respondiste sus llamadas, trabajaste como agente encubierto para el IO; ahora es el momento de infiltrarte en The Last Reality y poner fin a la ocupación de Alien.

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El multiverso puede estar convergiendo, pero algunos giros son demasiado icónicos para alterarlos.

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Sobre el Autor

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Muchos de ustedes recordarán cuando Donald Trump fue elegido en 2016, que más de unos pocos opositores a su presidencia buscaban un rayo de luz en las artes. La protesta del punk rock volvería, ¡más fuerte que nunca! Muchas grandes obras satíricas derribarían a la administración … ¡de alguna manera! Etcétera.

Bueno, eso no funcionó en absoluto.

En 2020, a medida que la crisis de COVID se hizo más grave, no hubo tanta especulación sobre si produciría arte que cambiaría el mundo; todo el asunto era demasiado aterrador y deprimente para fomentar tal especulación.

Pero se está haciendo arte pertinente a COVID; esta película ómnibus es un ejemplo nuevo y destacado. Siete cortometrajes de siete directores, y una mezcla quizás predecible en términos de éxito y fracaso artístico.

Comienza en Teherán, con una autoficción cálida, ligeramente predecible, pero sobre todo ganadora de Jafar Panahi (“Crimson Gold”, “Esto no es una película”). El corto muestra una visita de su suegra, quien se presenta en el apartamento que comparte con su esposa con un mono protector y un protector facial, tan completamente cubierto que la pareja inicialmente la toma por una trabajadora esencial de algún tipo. Una vez dentro, la mujer mayor está nerviosa, no por COVID, sino por la iguana mascota de la pareja, llamada Iggy. La mayor reprende a los Panahis por permitir que sus nietos vivan en el extranjero; uno de ellos, en una llamada de Facetime, anima a la abuela a interactuar con Iggy, y el trío medita en silencio sobre la mortalidad. La anécdota termina con una dulce nota de reconciliación.

“The Breakaway”, de Anthony Chen, describe una situación de vida casi universal: la de una pareja (Zhou Dongyu y Zhang Yu) y su hijo pequeño que intentan trabajar y vivir en espacios reducidos sin volverse locos. Como suele ser el caso, el compañero masculino es el más problemático, deja caer la pelota en asuntos de dinero y dice “Es solo un perro” cuando su compañero expresa tristeza por la muerte de una mascota de la infancia que no ha visto en un tiempo. Es un trabajo sólido y coherente. Pero, para no ser poco caritativo, puede tender a provocar una respuesta de “dime algo que no sé” de algunos espectadores. Ese también es el caso de “Sin Titula”, la contribución de Dominga Sotomayor de Chile, un retrato de una mujer en aislamiento.

Desde California, la contribución de Malik Vitthal, una mirada semi-documental sobre la vida de un padre soltero cuya larga lucha por hacerse con la custodia de sus tres hijos se enfrentó a una bola curva por el virus, mezcla animación con videos telefónicos para crear un nuevo, anécdota vigorizante. La documentalista Laura Poitras ofrece un vistazo a su colaboración con el grupo Forensic Architecture, investigando al NSO Group, una empresa que desarrolla y vende armas cibernéticas, herramientas de vigilancia para estados de vigilancia, excepto que hoy en día cada estado es un estado de vigilancia de algún tipo. La urgencia de la información presentada verbalmente en este segmento se ve frecuentemente socavada por las imágenes, reproduciendo vistas de la galería de Zoom en las que los participantes (periodistas y activistas en su mayor parte) se ven cómodamente cómodos y en ocasiones aburridos. En una toma, Poitras explota un cuadrante de la galería, por lo que estás mirando a un tipo barbudo que levanta la cabeza con la mano cerrada como si apenas pudiera ser molestado. ¿Por qué veo esto ?, es probable que uno se pregunte. Me encontré pensando que esto sería metraje para que Godard deconstruyera, al estilo de “Letter to Jane”.

Los dos últimos segmentos son los más fuertes: el espeluznante y enigmático “Dig Up My Darling” de David Lowery, en el que una mujer mayor, hurgando en un garaje, descubre un alijo de cartas con fecha posterior a 1926, cuando una epidemia de gripe catastrófica Nueva Orleans. Al leerlos, hace un viaje lateral del viaje no especificado, nómada, pero definitivamente necesario por COVID en el que había estado. Luego está el francamente sorprendente “Night Colonies” de Apichatpong Weerasethakul, en el que no aparecen humanos. Más bien, las estrellas aquí son varios insectos y una serie de luces fluorescentes. En la banda sonora, eventualmente, fragmentos de eventos de audio de protestas a favor de la democracia en Bangkok. Un poema presentado en pantalla en los primeros minutos del corto da título al largometraje en su conjunto.

Aquí se pueden encontrar consuelos y algunas cosas más cruciales. “El año de la tormenta eterna” es definitivamente un logro notable en el anti-escapismo, que el cine actual ciertamente siempre podría aprovechar más.

Ahora jugando en cines selectos.

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Bueno, eso no funcionó en absoluto.

En 2020, a medida que la crisis de COVID se hizo más grave, no hubo tanta especulación sobre si produciría arte que cambiaría el mundo; todo el asunto era demasiado aterrador y deprimente para fomentar tal especulación.

Pero se está haciendo arte pertinente a COVID; esta película ómnibus es un ejemplo nuevo y destacado. Siete cortometrajes de siete directores, y una mezcla quizás predecible en términos de éxito y fracaso artístico.

Comienza en Teherán, con una autoficción cálida, ligeramente predecible, pero sobre todo ganadora de Jafar Panahi (“Crimson Gold”, “Esto no es una película”). El corto muestra una visita de su suegra, quien se presenta en el apartamento que comparte con su esposa con un mono protector y un protector facial, tan completamente cubierto que la pareja inicialmente la toma por una trabajadora esencial de algún tipo. Una vez dentro, la mujer mayor está nerviosa, no por COVID, sino por la iguana mascota de la pareja, llamada Iggy. La mayor reprende a los Panahis por permitir que sus nietos vivan en el extranjero; uno de ellos, en una llamada de Facetime, anima a la abuela a interactuar con Iggy, y el trío medita en silencio sobre la mortalidad. La anécdota termina con una dulce nota de reconciliación.

“The Breakaway”, de Anthony Chen, describe una situación de vida casi universal: la de una pareja (Zhou Dongyu y Zhang Yu) y su hijo pequeño que intentan trabajar y vivir en espacios reducidos sin volverse locos. Como suele ser el caso, el compañero masculino es el más problemático, deja caer la pelota en asuntos de dinero y dice “Es solo un perro” cuando su compañero expresa tristeza por la muerte de una mascota de la infancia que no ha visto en un tiempo. Es un trabajo sólido y coherente. Pero, para no ser poco caritativo, puede tender a provocar una respuesta de “dime algo que no sé” de algunos espectadores. Ese también es el caso de “Sin Titula”, la contribución de Dominga Sotomayor de Chile, un retrato de una mujer en aislamiento.

Desde California, la contribución de Malik Vitthal, una mirada semi-documental sobre la vida de un padre soltero cuya larga lucha por hacerse con la custodia de sus tres hijos se enfrentó a una bola curva por el virus, mezcla animación con videos telefónicos para crear un nuevo, anécdota vigorizante. La documentalista Laura Poitras ofrece un vistazo a su colaboración con el grupo Forensic Architecture, investigando al NSO Group, una empresa que desarrolla y vende armas cibernéticas, herramientas de vigilancia para estados de vigilancia, excepto que hoy en día cada estado es un estado de vigilancia de algún tipo. La urgencia de la información presentada verbalmente en este segmento se ve frecuentemente socavada por las imágenes, reproduciendo vistas de la galería de Zoom en las que los participantes (periodistas y activistas en su mayor parte) se ven cómodamente cómodos y en ocasiones aburridos. En una toma, Poitras explota un cuadrante de la galería, por lo que estás mirando a un tipo barbudo que levanta la cabeza con la mano cerrada como si apenas pudiera ser molestado. ¿Por qué veo esto ?, es probable que uno se pregunte. Me encontré pensando que esto sería metraje para que Godard deconstruyera, al estilo de “Letter to Jane”.

Los dos últimos segmentos son los más fuertes: el espeluznante y enigmático “Dig Up My Darling” de David Lowery, en el que una mujer mayor, hurgando en un garaje, descubre un alijo de cartas con fecha posterior a 1926, cuando una epidemia de gripe catastrófica Nueva Orleans. Al leerlos, hace un viaje lateral del viaje no especificado, nómada, pero definitivamente necesario por COVID en el que había estado. Luego está el francamente sorprendente “Night Colonies” de Apichatpong Weerasethakul, en el que no aparecen humanos. Más bien, las estrellas aquí son varios insectos y una serie de luces fluorescentes. En la banda sonora, eventualmente, fragmentos de eventos de audio de protestas a favor de la democracia en Bangkok. Un poema presentado en pantalla en los primeros minutos del corto da título al largometraje en su conjunto.

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Liu Kang y Raiden siempre tuvieron una relación especial que se expresaba de diferentes maneras. Mortal Kombat 11 lo demostró maravillosamente con su conmovedor montaje que abarca la línea de tiempo y la posterior fusión. Mortal Kombat Legends: Batalla de los reinos cambia un poco esa dinámica eliminando la rivalidad y centrándose únicamente en los aspectos positivos de la relación padre-hijo que han estado justo debajo de la piel magullada y empapada de sangre de la franquicia. Y eso fue por diseño.

Sin embargo, es imposible mirar a Raiden y Liu Kang en esta película sin examinar a cada uno de ellos individualmente. Jeremy Adams, el guionista de ambas películas animadas, habló sobre esto cuando intentó profundizar en Raiden. Si bien el vínculo de Liu Kang y Raiden está ahí de manera típica en La venganza del escorpión, Adams quería detenerse y concentrarse más en el Dios del Trueno. Aparentemente, es bastante extraño que un ser dedique miles de años de su vida defendiendo Earthrealm. Los juegos no han examinado este aspecto con tanta intensidad, dejando espacio para que Adams, como un rayo, golpee con fuerza.

“Creo que fue realmente importante que esta película en particular realmente profundice en la relación entre Raiden y Liu Kang de una manera muy intensa como padre e hijo”, dijo. “Esto fue lo que realmente me llamó la atención mientras escribía y tuve mucho de explorar quién era Raiden y por qué estaba protegiendo Earthrealm. ¿Cuál es su trato?

Dave B. Mitchell, el actor de voz de Raiden en estas películas, pudo expandir esa noción, que tiene sentido para la persona que tuvo que vivir las líneas que Adams escribió. Mitchell, fanático de los juegos desde el principio y fan de Sektor, dijo que cree que esta película hace el mejor trabajo que cualquier otra. Mortal Kombat medios en mirar el alma de Raiden y humanizar al ser piadoso mostrando sus luchas internas.

“Con Raiden, me gusta el hecho de que todavía tiene esa cualidad Zen y esa divinidad, pero la forma en que me tienen retratándolo en esto, puedes sentir algo del peso que ha estado cargando durante milenios”, dijo. “Tienes la oportunidad de sentir cómo algo de eso le ha pesado y, particularmente, cuando podemos explorar un lado diferente de él al que hemos visto antes en lo que se refiere a los diferentes personajes, el torneo y Shao Kahn”.

RELACIONADO: Patrick Seitz no dudó en expresar a Scorpion en Mortal Kombat Legends a pesar de MK11 Recast

El “peso” del que habla Mitchell es evidente en Batalla de los reinos. Raiden ha estado luchando en este torneo de Mortal Kombat durante tanto tiempo. Earthrealm incluso ganó el último torneo, que debería haber resultado en mil años de seguridad, pero aquí está. una vez mas tener que luchar con todo en la línea; continúa una batalla tediosa e interminable.

Es evidente cuando Raiden acepta rápidamente la oferta de Shao Kahn de solicitar a los Dioses Mayores otro torneo de Mortal Kombat para que termine el derramamiento de sangre, sacrificando su divinidad para comprometerse aún más a cesar la lucha. Mitchell explicó cómo todo esto hizo que Raiden se sintiera lo suficientemente cansado como para que se volviera visiblemente evidente, el antiguo dios incluso habla de esperar su primera noche de sueño, pero no demasiado cansado para “eludir sus responsabilidades”.

“Raiden tiene un interés muy personal esta vez y se compromete con la seguridad de Earthrealm”, dijo. “Puedes ver que esta ha sido su misión: defender Earthrealm. Puedes ver el precio que le ha cobrado a lo largo del tiempo. Es una batalla sin fin para él. Debido a algunas de las elecciones y sacrificios que hace en esto, es una de las primeras veces que vemos algunas de las luchas internas con él y nos damos cuenta de que, a pesar de toda su apariencia tranquila y serena que muestra a todos los demás, hay un peso allí. Y le ha pasado factura y no se rendirá, pero definitivamente se ha visto afectado por esto “.

El cansancio le da a la película la oportunidad de inyectar más significado al arco de Liu Kang. El monje Shaolin no estaba muy bien al final de la primera película donde solo ganó el torneo a través de la renuncia intencional de Scorpion. Ese “fracaso” resonó en él, como lo demuestra su breve intercambio con Raiden justo antes de los créditos. Este contexto coloca a Liu Kang en una mayor ascensión en Batalla de los reinos, algo que Raiden juega un papel fundamental en la realización.

Cómo Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms desarrolló el vínculo de Raiden y Liu Kang

Pero, lamentablemente, esto tiene un alto costo ya que el ahora mortal Raiden muere de la mano de Shao Kahn en una batalla particularmente espantosa. Cuando se le solicita sus últimas palabras, Raiden se corta y está muy implícito que estaba a punto de decir que amaba a Liu Kang. Adams esencialmente completó el resto de la oración final de Raiden.

“Vimos antes de que muriera, estaba expresando su amor por Liu Kang”, dijo Adams. “Como si fuera su elegido. Y confía tanto en él que está dispuesto a morir por eso. Creo que es bastante poderoso. Realmente me dio un gancho para Raiden como personaje y un gancho para Liu Kang como personaje “.

RELACIONADO: Los creadores de Mortal Kombat Legends explican el cameo de Memey impulsado por fanáticos

Adams también habló sobre cómo veía a Raiden como un padre que quería que su hijo adoptivo tuviera éxito y que Liu Kang no iba a ascender sin ese sacrificio. Hacer que se diera cuenta de su destino de convertirse en el defensor de Earthrealm le quitó el peso de encima de los hombros y que Liu Kang alcanzara la grandeza y cumpliera ese papel satisfacía sus instintos paternos. Este acto satisface a Raiden de dos formas diferentes. Mitchell, llamando a Liu Kang un “avatar para el panorama más amplio” a los ojos de Raiden debido a su pureza innata, unió los temas del cansancio y la paternidad al mismo tiempo que los relacionaba con Liu Kang.

“Muestra la profundidad del compromiso de Raiden de que estaba literalmente dispuesto a renunciar a la divinidad y sacrificar su vida no solo por Earthrealm, sino también por Liu Kang”, dijo. “Hemos visto a Liu Kang luchar con dudas a lo largo de toda la historia de MK en la tradición, particularmente porque hemos explorado la profundidad de los personajes en los juegos posteriores. Creo que cualquier duda que pueda haber tenido, puede haber cristalizado su comprensión y su compromiso con ‘Esto es lo que soy’. Esta es mi responsabilidad. Esto es lo que estoy aquí para hacer. Y no puedo, bajo ninguna circunstancia, no cumplir mi destino ‘”.

Realizar una fatalidad en Raiden (aunque Adams se apresuró a señalar que “cualquiera puede volver en cualquier momento”) tampoco fue una elección tardía. El productor Rick Morales dijo que el equipo lo abordó temprano, diciendo que “simplemente tenía sentido” para progresar en el personaje de Liu Kang.

“Esa fue una de las primeras decisiones que tomamos en cuanto a a quién queríamos matar en esta película”, dijo. “Para Mortal KombatCreo que necesitas esas muertes que tal vez sean inesperadas, pero cualquiera es un juego limpio. En los juegos, cualquiera puede morir. Quiero la sensación en estas películas de que podrías pensar que alguien está a salvo, pero no necesariamente “.

Cómo Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms desarrolló el vínculo de Raiden y Liu Kang

Algunas de estas muertes han moldeado fundamentalmente a Liu Kang. Sus padres son brutalizados al comienzo de la película y su amigo Kung Lao es partido por la mitad como correo basura. Todo esto sucede además de ver cómo le rompen el cuello a su figura paterna. Adams dijo que cree que “tuvo que sufrir un trauma” para “poder salir por su cuenta”. Mientras tanto, Raiden, en la película, dice que Liu Kang nunca culpa a nadie por su trauma, lo que demuestra la inocencia de su alma; la inocencia que mostraba por qué estaba destinado a desempeñar un papel más importante.

Es una forma dura de vivir, pero Jordan Rodrigues, quien interpreta a Liu Kang en la película, transmitió un sentimiento similar. Afirmó que la paciencia de Liu Kang dio sus frutos y que el trauma solo añadió “leña al fuego del corazón ardiente de Liu Kang”.

“Una vez que subió de nivel a la condición de dios, todo se volvió claro y omnisciente”, dijo Rodrigues. “Y creo que cuando alcanzas esa etérea, si esa es una palabra, todo se vuelve tranquilo y uno. Tuve que retratar eso en mi actuación. Creo que es genial verlo convertirse en el elegido “.

Mortal Kombat Las películas a menudo tienen problemas para seguir la pista de todos sus luchadores y muchas de ellas tienen clichés o arcos superficiales, si es que tienen alguno. Cierto es que, Batalla de los reinos también tiene el mismo problema, ya que algunas de las caras más importantes de la serie han apresurado historias personales o ninguna. Pero Batalla de los reinos al menos se centró en dos de sus combatientes principales, Liu Kang y Raiden. Ambos crecieron como pareja de una manera que fortaleció su determinación como individuos, agregando más vida a los personajes de una serie tan obsesionada con la matanza y la muerte.

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Liu Kang y Raiden siempre tuvieron una relación especial que se expresaba de diferentes maneras. Mortal Kombat 11 lo demostró maravillosamente con su conmovedor montaje que abarca la línea de tiempo y la posterior fusión. Mortal Kombat Legends: Batalla de los reinos cambia un poco esa dinámica eliminando la rivalidad y centrándose únicamente en los aspectos positivos de la relación padre-hijo que han estado justo debajo de la piel magullada y empapada de sangre de la franquicia. Y eso fue por diseño.

Sin embargo, es imposible mirar a Raiden y Liu Kang en esta película sin examinar a cada uno de ellos individualmente. Jeremy Adams, el guionista de ambas películas animadas, habló sobre esto cuando intentó profundizar en Raiden. Si bien el vínculo de Liu Kang y Raiden está ahí de manera típica en La venganza del escorpión, Adams quería detenerse y concentrarse más en el Dios del Trueno. Aparentemente, es bastante extraño que un ser dedique miles de años de su vida defendiendo Earthrealm. Los juegos no han examinado este aspecto con tanta intensidad, dejando espacio para que Adams, como un rayo, golpee con fuerza.

“Creo que fue realmente importante que esta película en particular realmente profundice en la relación entre Raiden y Liu Kang de una manera muy intensa como padre e hijo”, dijo. “Esto fue lo que realmente me llamó la atención mientras escribía y tuve mucho de explorar quién era Raiden y por qué estaba protegiendo Earthrealm. ¿Cuál es su trato?

Dave B. Mitchell, el actor de voz de Raiden en estas películas, pudo expandir esa noción, que tiene sentido para la persona que tuvo que vivir las líneas que Adams escribió. Mitchell, fanático de los juegos desde el principio y fan de Sektor, dijo que cree que esta película hace el mejor trabajo que cualquier otra. Mortal Kombat medios en mirar el alma de Raiden y humanizar al ser piadoso mostrando sus luchas internas.

“Con Raiden, me gusta el hecho de que todavía tiene esa cualidad Zen y esa divinidad, pero la forma en que me tienen retratándolo en esto, puedes sentir algo del peso que ha estado cargando durante milenios”, dijo. “Tienes la oportunidad de sentir cómo algo de eso le ha pesado y, particularmente, cuando podemos explorar un lado diferente de él al que hemos visto antes en lo que se refiere a los diferentes personajes, el torneo y Shao Kahn”.

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El “peso” del que habla Mitchell es evidente en Batalla de los reinos. Raiden ha estado luchando en este torneo de Mortal Kombat durante tanto tiempo. Earthrealm incluso ganó el último torneo, que debería haber resultado en mil años de seguridad, pero aquí está. una vez mas tener que luchar con todo en la línea; continúa una batalla tediosa e interminable.

Es evidente cuando Raiden acepta rápidamente la oferta de Shao Kahn de solicitar a los Dioses Mayores otro torneo de Mortal Kombat para que termine el derramamiento de sangre, sacrificando su divinidad para comprometerse aún más a cesar la lucha. Mitchell explicó cómo todo esto hizo que Raiden se sintiera lo suficientemente cansado como para que se volviera visiblemente evidente, el antiguo dios incluso habla de esperar su primera noche de sueño, pero no demasiado cansado para “eludir sus responsabilidades”.

“Raiden tiene un interés muy personal esta vez y se compromete con la seguridad de Earthrealm”, dijo. “Puedes ver que esta ha sido su misión: defender Earthrealm. Puedes ver el precio que le ha cobrado a lo largo del tiempo. Es una batalla sin fin para él. Debido a algunas de las elecciones y sacrificios que hace en esto, es una de las primeras veces que vemos algunas de las luchas internas con él y nos damos cuenta de que, a pesar de toda su apariencia tranquila y serena que muestra a todos los demás, hay un peso allí. Y le ha pasado factura y no se rendirá, pero definitivamente se ha visto afectado por esto “.

El cansancio le da a la película la oportunidad de inyectar más significado al arco de Liu Kang. El monje Shaolin no estaba muy bien al final de la primera película donde solo ganó el torneo a través de la renuncia intencional de Scorpion. Ese “fracaso” resonó en él, como lo demuestra su breve intercambio con Raiden justo antes de los créditos. Este contexto coloca a Liu Kang en una mayor ascensión en Batalla de los reinos, algo que Raiden juega un papel fundamental en la realización.

Cómo Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms desarrolló el vínculo de Raiden y Liu Kang

Pero, lamentablemente, esto tiene un alto costo ya que el ahora mortal Raiden muere de la mano de Shao Kahn en una batalla particularmente espantosa. Cuando se le solicita sus últimas palabras, Raiden se corta y está muy implícito que estaba a punto de decir que amaba a Liu Kang. Adams esencialmente completó el resto de la oración final de Raiden.

“Vimos antes de que muriera, estaba expresando su amor por Liu Kang”, dijo Adams. “Como si fuera su elegido. Y confía tanto en él que está dispuesto a morir por eso. Creo que es bastante poderoso. Realmente me dio un gancho para Raiden como personaje y un gancho para Liu Kang como personaje “.

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Adams también habló sobre cómo veía a Raiden como un padre que quería que su hijo adoptivo tuviera éxito y que Liu Kang no iba a ascender sin ese sacrificio. Hacer que se diera cuenta de su destino de convertirse en el defensor de Earthrealm le quitó el peso de encima de los hombros y que Liu Kang alcanzara la grandeza y cumpliera ese papel satisfacía sus instintos paternos. Este acto satisface a Raiden de dos formas diferentes. Mitchell, llamando a Liu Kang un “avatar para el panorama más amplio” a los ojos de Raiden debido a su pureza innata, unió los temas del cansancio y la paternidad al mismo tiempo que los relacionaba con Liu Kang.

“Muestra la profundidad del compromiso de Raiden de que estaba literalmente dispuesto a renunciar a la divinidad y sacrificar su vida no solo por Earthrealm, sino también por Liu Kang”, dijo. “Hemos visto a Liu Kang luchar con dudas a lo largo de toda la historia de MK en la tradición, particularmente porque hemos explorado la profundidad de los personajes en los juegos posteriores. Creo que cualquier duda que pueda haber tenido, puede haber cristalizado su comprensión y su compromiso con ‘Esto es lo que soy’. Esta es mi responsabilidad. Esto es lo que estoy aquí para hacer. Y no puedo, bajo ninguna circunstancia, no cumplir mi destino ‘”.

Realizar una fatalidad en Raiden (aunque Adams se apresuró a señalar que “cualquiera puede volver en cualquier momento”) tampoco fue una elección tardía. El productor Rick Morales dijo que el equipo lo abordó temprano, diciendo que “simplemente tenía sentido” para progresar en el personaje de Liu Kang.

“Esa fue una de las primeras decisiones que tomamos en cuanto a a quién queríamos matar en esta película”, dijo. “Para Mortal KombatCreo que necesitas esas muertes que tal vez sean inesperadas, pero cualquiera es un juego limpio. En los juegos, cualquiera puede morir. Quiero la sensación en estas películas de que podrías pensar que alguien está a salvo, pero no necesariamente “.

Cómo Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms desarrolló el vínculo de Raiden y Liu Kang

Algunas de estas muertes han moldeado fundamentalmente a Liu Kang. Sus padres son brutalizados al comienzo de la película y su amigo Kung Lao es partido por la mitad como correo basura. Todo esto sucede además de ver cómo le rompen el cuello a su figura paterna. Adams dijo que cree que “tuvo que sufrir un trauma” para “poder salir por su cuenta”. Mientras tanto, Raiden, en la película, dice que Liu Kang nunca culpa a nadie por su trauma, lo que demuestra la inocencia de su alma; la inocencia que mostraba por qué estaba destinado a desempeñar un papel más importante.

Es una forma dura de vivir, pero Jordan Rodrigues, quien interpreta a Liu Kang en la película, transmitió un sentimiento similar. Afirmó que la paciencia de Liu Kang dio sus frutos y que el trauma solo añadió “leña al fuego del corazón ardiente de Liu Kang”.

“Una vez que subió de nivel a la condición de dios, todo se volvió claro y omnisciente”, dijo Rodrigues. “Y creo que cuando alcanzas esa etérea, si esa es una palabra, todo se vuelve tranquilo y uno. Tuve que retratar eso en mi actuación. Creo que es genial verlo convertirse en el elegido “.

Mortal Kombat Las películas a menudo tienen problemas para seguir la pista de todos sus luchadores y muchas de ellas tienen clichés o arcos superficiales, si es que tienen alguno. Cierto es que, Batalla de los reinos también tiene el mismo problema, ya que algunas de las caras más importantes de la serie han apresurado historias personales o ninguna. Pero Batalla de los reinos al menos se centró en dos de sus combatientes principales, Liu Kang y Raiden. Ambos crecieron como pareja de una manera que fortaleció su determinación como individuos, agregando más vida a los personajes de una serie tan obsesionada con la matanza y la muerte.

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