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Donde se escucha el silencio del público. Gorka en Altxerri. / ARIZMENDI

Gorka Azpiroz ‘Sr. Mojo Risin, sigue subiendo ‘….

Begoña del Teso

Llega al Kiskurra en compañía de Jon Aira, el bajo del grupo al que pertenece, Mojo Hand. Llega en plena promoción de su primer disco, editado por Gaztelupeko Hotsak y grabado en Pottoko el estudio de un gran ingeniero de sonido y hammondista sin igual, Fredi Peláez. Llega Gorka, hermano de Mikel y sobrino de uno de los grandes de la historia del motociclismo guipuzcoano, Alberto Gaskue. Gorka es director de arte en una agencia de comunicación y el orgulloso propietario de una Honda Shadow 750 y de un Faeton 750, un yate-lancha de ocho metros de eslora para cuyo gobierno se ha sacado hace nada el título. Los Mojo tuvieron concierto el sábado.

– Sí.

– ¿?

– Quiero nombres de las damas del blues. A los blueseros hombres los conocemos bien: B.B. King, Muddy Waters, Billy Davis, Hendrix…

– Una vez honrada la memoria de Aretha Franklin, hemos de citar a Sugar Pie Desanto, fascinante cantante de rhythm-and-blues filipino-neoyorquina que llena el blues de unos matices increíbles. No menos inolvidable es Sister Rosetta. Influyó en gente como Little Richard, Johnny Cash, Chuck Berry, Presley o Jerry Lee Lewis. Se la llegó a llamar ‘Original Soul Sister’. Fue grandiosa en el gospel pero ya en los 40 su acompañamiento musical era un… proto rock and roll. Seguro que la has visto alguna vez. Y en pantalla grande.

– ¿Tú crees?

– Sin duda. Salía en el filme ‘Amélie’. Estaba en la tele. Era una mujer negra con una guitarra. Porque Sister Rosetta tocaba la guitarra, vaya sí lo hacía. Una Gibson. De Arkansas a París. Si quieres podemos mentar a una bluesera de aquí y ahora.

– Será un placer saber de ella.

– Es Noa, la vocalista de un grupo que huele y sabe a blues y cerveza de la buena, Voll Damn And The Hell Drinkers. Tiene disco, caña y actitud. Una de sus canciones es la mítica ‘Got My Mojo Working’.

– Tenía que aparecer el ‘Mojo’ en algún momento si me estoy tomando unas cañas con dos blueseros de pro. ¿Qué rayos es? Porque no hablamos del picón canario…

– Pues francamente, no. De hecho, ahí arriba junto a mi nombre has puesto una línea famosísima de una canción de los Doors, ‘L.A. Woman’, una línea que dice exactamente: ‘Mr. Mojo Risin’, got to keep on risin. Risin, risin. Come on risin, risin’. Tiene unas connotaciones sexuales de lo más potentes pero al principio, al principio, el Mojo, el Mojo Hand era un amuleto, un amuleto de vudú.

AGOTADO / AGOTADO

  • Se vendieron todos:
    Y más. Tras el concierto de Mojo Han el sábado en Altxerri («nuestra casa, habremos hecho aquí el 50% de nuestras actuaciones»…) se agotaron todos los discos puestos a la venta. Queda alguno en el estudio y en el local de ensayo. Habrá reedición.

– Vaya…

– Se trata de unos saquitos de tela o de piel rellenos con toda clase de objetos según el deseo que ansíes conseguir. En la bolsa suele ponerse hierbas medicinales o mágicas, una carta de póker, dados, un billete, un diente de cocodrilo o una pata de conejo. En los conjuros más oscuros, hasta una mano de… muerto .

– Interesante…

– Hay una canción de Sam ‘Lightnin’ Hopkins que se titula así, ‘Mojo Hand’ y cuenta claramente que Sam se va a Louisiana a pillar una de esas bolsitas para hacerle un hechizo, un amarre de amor, a su esposa y que nunca se desenamore de él ni se enamore de otro hombre…

– Pero en el blues la expresión tendrá, también, otro rollo, ¿no?

– Ya hemos comentado que ha evolucionado hasta una connotación sexual poderosa pero en realidad yo diría que el mojo para blueseros y blueseras es algo tan difícil de definir pero tan real como el ‘duende’ para y en el flamenco. Lo tienes o no lo tienes, funciona o no funciona: ‘Got My Mojo Working’…

– Creo que la careta de tu móvil es una imagen de Hendrix; creo que estáis orgullosos en el grupo de que vuestra guitarra tenga, precisamente, un ‘sonido Jimi’… Ha llegado el momento de citar al zurdo más grande del rock.

– Claro que una banda de blues suena mejor si su guitarra eléctrica imprime a su sonido clásico un toque Hendrix. Jimi revolucionó el blues de cuajo… a partir y a través del rock. Eso es algo que se aprende en primer curso de las escuelas de blues.

– ¿Hay escuelas de blues en el mundo?

– Mismamente en el número 36 de la calle Matilde Hernández de Madrid. Desde 2011, vale, el blues fue de calle y tugurio pero ahora se puede aprender en una escuela. No en un conservatorio estructurado, formalista y con currículos que cumplir durante el curso. Pero sí con buenos maestros. Y mucho mojo.

– En vuestro disco, entre los 11 temas, soberbios standars de B.B. King, Sammy Taylor o Berry habéis incluido uno propio, ‘Dead Husband’. Firmado por ti, por Jon, por Fernando Neira el bajo, Arancegui el batería y Paul San Martín.

– Lo hemos hecho con sumo respeto. Somos relativamente nuevos en este universo. No puedes entrar hasta la cocina rompiendo platos y huevos. De los 11 temas diez son clásicos porque antes de intentar revolucionar el blues creyéndote Jimi tienes que saber… hacer la tortilla.

– Cambiando de sentido la charla, esa Honfa Custom que tienes no es tu primera moto…

– No. La anterior me la hice yo mismo a partir de otra Honda que transformé en una ‘Dirt track’. La puse ruedas que patinasen un poco para correr menos. Pero aun así y todo… corría. Esta me la he comprado por lo contrario… para no correr

– Capitán piloto, ¿cómo se siente el mar desde tu Faeton 750?

– Como si penetraras en la noche. No es nuestro hábitat natural y adentrarte en él es eso: hacerlo en la más inquietante oscuridad.

.

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Donde se escucha el silencio del público. Gorka en Altxerri. / ARIZMENDI

Gorka Azpiroz ‘Sr. Mojo Risin, sigue subiendo ‘….

Begoña del Teso

Llega al Kiskurra en compañía de Jon Aira, el bajo del grupo al que pertenece, Mojo Hand. Llega en plena promoción de su primer disco, editado por Gaztelupeko Hotsak y grabado en Pottoko el estudio de un gran ingeniero de sonido y hammondista sin igual, Fredi Peláez. Llega Gorka, hermano de Mikel y sobrino de uno de los grandes de la historia del motociclismo guipuzcoano, Alberto Gaskue. Gorka es director de arte en una agencia de comunicación y el orgulloso propietario de una Honda Shadow 750 y de un Faeton 750, un yate-lancha de ocho metros de eslora para cuyo gobierno se ha sacado hace nada el título. Los Mojo tuvieron concierto el sábado.

– Sí.

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– ¿Tú crees?

– Sin duda. Salía en el filme ‘Amélie’. Estaba en la tele. Era una mujer negra con una guitarra. Porque Sister Rosetta tocaba la guitarra, vaya sí lo hacía. Una Gibson. De Arkansas a París. Si quieres podemos mentar a una bluesera de aquí y ahora.

– Será un placer saber de ella.

– Es Noa, la vocalista de un grupo que huele y sabe a blues y cerveza de la buena, Voll Damn And The Hell Drinkers. Tiene disco, caña y actitud. Una de sus canciones es la mítica ‘Got My Mojo Working’.

– Tenía que aparecer el ‘Mojo’ en algún momento si me estoy tomando unas cañas con dos blueseros de pro. ¿Qué rayos es? Porque no hablamos del picón canario…

– Pues francamente, no. De hecho, ahí arriba junto a mi nombre has puesto una línea famosísima de una canción de los Doors, ‘L.A. Woman’, una línea que dice exactamente: ‘Mr. Mojo Risin’, got to keep on risin. Risin, risin. Come on risin, risin’. Tiene unas connotaciones sexuales de lo más potentes pero al principio, al principio, el Mojo, el Mojo Hand era un amuleto, un amuleto de vudú.

AGOTADO / AGOTADO

  • Se vendieron todos:
    Y más. Tras el concierto de Mojo Han el sábado en Altxerri («nuestra casa, habremos hecho aquí el 50% de nuestras actuaciones»…) se agotaron todos los discos puestos a la venta. Queda alguno en el estudio y en el local de ensayo. Habrá reedición.

– Vaya…

– Se trata de unos saquitos de tela o de piel rellenos con toda clase de objetos según el deseo que ansíes conseguir. En la bolsa suele ponerse hierbas medicinales o mágicas, una carta de póker, dados, un billete, un diente de cocodrilo o una pata de conejo. En los conjuros más oscuros, hasta una mano de… muerto .

– Interesante…

– Hay una canción de Sam ‘Lightnin’ Hopkins que se titula así, ‘Mojo Hand’ y cuenta claramente que Sam se va a Louisiana a pillar una de esas bolsitas para hacerle un hechizo, un amarre de amor, a su esposa y que nunca se desenamore de él ni se enamore de otro hombre…

– Pero en el blues la expresión tendrá, también, otro rollo, ¿no?

– Ya hemos comentado que ha evolucionado hasta una connotación sexual poderosa pero en realidad yo diría que el mojo para blueseros y blueseras es algo tan difícil de definir pero tan real como el ‘duende’ para y en el flamenco. Lo tienes o no lo tienes, funciona o no funciona: ‘Got My Mojo Working’…

– Creo que la careta de tu móvil es una imagen de Hendrix; creo que estáis orgullosos en el grupo de que vuestra guitarra tenga, precisamente, un ‘sonido Jimi’… Ha llegado el momento de citar al zurdo más grande del rock.

– Claro que una banda de blues suena mejor si su guitarra eléctrica imprime a su sonido clásico un toque Hendrix. Jimi revolucionó el blues de cuajo… a partir y a través del rock. Eso es algo que se aprende en primer curso de las escuelas de blues.

– ¿Hay escuelas de blues en el mundo?

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– No. La anterior me la hice yo mismo a partir de otra Honda que transformé en una ‘Dirt track’. La puse ruedas que patinasen un poco para correr menos. Pero aun así y todo… corría. Esta me la he comprado por lo contrario… para no correr

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“El blues y el rhythm and blues son una manera de vivir más que un estilo musical” – Ray Charles

En Austin, autoproclamada la ciudad de la música en vivo, y una de las ciudades más importantes de Texas, Estados Unidos, surge la historia de los antihéroes. De esos esclavos transportados de África para trabajar en los campos de algodón. Muchos de ellos eran cantantes que trajeron consigo sus cantos de historias épicas. En 1928, el gobierno separó la parte este de la ciudad del oeste mediante la avenida East Avenue. En el este se estableció la población negra y esa zona se llenó de bares donde se desarrollaría una gran ola de música en vivo.

Es en ese Texas donde en 1954 nació Stevie Ray Vaughan.

A los 7 años agarra su primera guitarra que era un juguete de plástico. A los 10 años “él sabía lo que quería” y toma la iniciativa de aprender a tocar inspirado por su hermano mayor, Jimmie, que le enseña los secretos del Blues. Años más tarde lo impulsa a entrar en la escena musical texana.

Influencias musicales

Fue un autodidacta. El blues era su gran pasión. Le atraía mucho la cadencia melancólica de este género, que él supo combinar con el vertiginoso ritmo y blues agregando sutiles pinceladas de funky y jazz, dándole a sus creaciones una mezcla muy especial.

Te puede interesar: Efeméride.El legendario Robert Plant, la voz del Hard Rock, cumple 73 años

Con un oído prodigioso, empezó a componer a pura inspiración y guiado por un profundo amor por Hendrix, Freddy King, Robert Johnson, el abuelo del RNR, el de la leyenda, el que había vendido su alma al diablo en crossroad a cambio del blues, entre otros grandes artistas de la “Black Music”.

Carrera musical

En la adolescencia toca en varias bandas de garage y en 1975 deja la escuela para establecerse en Austin, donde forma Doble problema. Con Vaughan como vocalista, la banda se forja de una buena base de fans a lo largo de Texas. En 1982, la banda llama la atención de Mick Jagger, quien los invita a Nueva York para animar una fiesta privada. Ese mismo año, su manager después de mucho insistir, convence a los organizadores del famoso festival de Jazz de Montreaux en Suiza para que Steve, un completo desconocido, abriera el festival.

Hace un set impecable de clásicos del blues y composiciones propias. Es un show contradictorio. El público era esencialmente de jazz aunque el festival estaba abriéndose a otros géneros. La audiencia se divide entre los que se levantan de la silla para bailar y aplaudir y los que lo abuchean, quizá por la primera impresión que genera la combinación entre el sonido aplastante, su tono de voz barítono y el aspecto de Steve: cigarro en la boca, sombrero texano, botas y su Stratocaster totalmente despintada, el clavijero quemado por cigarrillos que Vaughan colocaba mientras tocaba durante los años de girar por los suburbios de Texas.

A pesar de todo, el músico se mantiene tranquilo y concentrado todo el show, interactuando con el público entre tema y tema. Existe el registro completo de ese día que tenemos la suerte de disfrutar hasta hoy.

Te puede interesar: Rock.Dio, en el altar del metal

Cuenta su manager : “al bajar del escenario Steve estaba confundido, no sabíamos qué pensaba, nos limitamos a mantener silencio, entregó su guitarra y se fue al camarín. Estuvo mucho tiempo callado con las palmas de la mano tapando su cara, su cabeza estaba a mil”. Ese show marca un antes y un después en su vida profesional. Fue aclamado por la crítica como la revelación del festival.

Luego, David Bowie lo invita a tocar en su álbum Vamos a bailar atraído por la habilidad musical del blusero. Así fue que firma con la discográfica Epic, graban varias placas y salen de gira por Europa.

Su colapso durante el tour en 1986 lo fuerza a mantenerse alejado de los escenarios y entrar en rehabilitación para despegarse de los excesos. En 1989 reaparece con su banda y graba su cuarto disco Al paso, eso vale un Grammy.

Vaughan se ganó un lugar entre los músicos de blues y un espacio en los míticos bares de Austin ya que sin duda estuvo a la vanguardia del resurgimiento del blues en la década del 80. Marcando nuevos parámetros en el blues-rock y dándole un nuevo impulso al género, desde Inundación de Texas, grabado en tres días en 1983 hasta Al paso, su último álbum, en un mundo en el que cobraba fuerza el grunge y el hip hop.

Un sonido muy particular

En el escenario era donde más brillaba, su sonido era aplastante. Su Fender Stratocaster del 59, “La Number One”, afinada en Drop, medio tono por debajo de la afinación estándar, para resaltar graves, su encordado de grueso calibre -cuerdas 0,13- y trastes jumbo de mayor diámetro, le daban a su guitarra un tono gigante. Combinado con dos amplificadores de características distintas, un Fender para resaltar los limpios y agudos y un Marshall para darle mayor espacio para la cabeza y crudeza pero sin sacarle definición a cada nota. El sonido muy particular estaba en sus dedos y la manera rústica y furiosa de tocar. Manejaba con gran destreza su mano derecha con rítmicas al mejor estilo funky y los golpes de la púa eran sutiles o fuertes si quería resaltar más alguna nota o acorde.

Te puede interesar: Instructivo.¿Cómo sumarte a la Comunidad de La Izquierda Diario?

Fue parte de una generación de guitarristas surgida en los 80 que trasformó la manera de tocar la guitarra, con gran despliegue escénico y vestimenta personalizada en los distintos géneros del rock, los llamados SHRED. Se adaptó sin problema a los cambios musicales y de sonido moderno al que el blues escapaba por ser un género tradicional.

Esto atrajo a los fanas del rock hacia el blues que volvió a llenar estadios, grabar clips friccionados. Quizá fue el mejor enlace, por el virtuosismo, el dinamismo y el poderío de su música. Sus cuatro álbumes fueron éxitos comerciales y de crítica.

El 26 de agosto de 1990, Vaughan y su banda tocan en Wisconsin, un gran show en el que también toca su hermano Jimmie y Eric Clapton. Hacia la medianoche, Vaughan toma un helicóptero que se estrella a poco de despegar en medio de una densa niebla. Nadie sobrevive. Vaughan muere el 27 de agosto. Esa noche el cielo lloró.

El apasionado amor por el blues que plasmó en sus discos y sus actuaciones en vivo son su legado.



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“El blues y el rhythm and blues son una manera de vivir más que un estilo musical” – Ray Charles

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Es en ese Texas donde en 1954 nació Stevie Ray Vaughan.

A los 7 años agarra su primera guitarra que era un juguete de plástico. A los 10 años “él sabía lo que quería” y toma la iniciativa de aprender a tocar inspirado por su hermano mayor, Jimmie, que le enseña los secretos del Blues. Años más tarde lo impulsa a entrar en la escena musical texana.

Influencias musicales

Fue un autodidacta. El blues era su gran pasión. Le atraía mucho la cadencia melancólica de este género, que él supo combinar con el vertiginoso ritmo y blues agregando sutiles pinceladas de funky y jazz, dándole a sus creaciones una mezcla muy especial.

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Con un oído prodigioso, empezó a componer a pura inspiración y guiado por un profundo amor por Hendrix, Freddy King, Robert Johnson, el abuelo del RNR, el de la leyenda, el que había vendido su alma al diablo en crossroad a cambio del blues, entre otros grandes artistas de la “Black Music”.

Carrera musical

En la adolescencia toca en varias bandas de garage y en 1975 deja la escuela para establecerse en Austin, donde forma Doble problema. Con Vaughan como vocalista, la banda se forja de una buena base de fans a lo largo de Texas. En 1982, la banda llama la atención de Mick Jagger, quien los invita a Nueva York para animar una fiesta privada. Ese mismo año, su manager después de mucho insistir, convence a los organizadores del famoso festival de Jazz de Montreaux en Suiza para que Steve, un completo desconocido, abriera el festival.

Hace un set impecable de clásicos del blues y composiciones propias. Es un show contradictorio. El público era esencialmente de jazz aunque el festival estaba abriéndose a otros géneros. La audiencia se divide entre los que se levantan de la silla para bailar y aplaudir y los que lo abuchean, quizá por la primera impresión que genera la combinación entre el sonido aplastante, su tono de voz barítono y el aspecto de Steve: cigarro en la boca, sombrero texano, botas y su Stratocaster totalmente despintada, el clavijero quemado por cigarrillos que Vaughan colocaba mientras tocaba durante los años de girar por los suburbios de Texas.

A pesar de todo, el músico se mantiene tranquilo y concentrado todo el show, interactuando con el público entre tema y tema. Existe el registro completo de ese día que tenemos la suerte de disfrutar hasta hoy.

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Cuenta su manager : “al bajar del escenario Steve estaba confundido, no sabíamos qué pensaba, nos limitamos a mantener silencio, entregó su guitarra y se fue al camarín. Estuvo mucho tiempo callado con las palmas de la mano tapando su cara, su cabeza estaba a mil”. Ese show marca un antes y un después en su vida profesional. Fue aclamado por la crítica como la revelación del festival.

Luego, David Bowie lo invita a tocar en su álbum Vamos a bailar atraído por la habilidad musical del blusero. Así fue que firma con la discográfica Epic, graban varias placas y salen de gira por Europa.

Su colapso durante el tour en 1986 lo fuerza a mantenerse alejado de los escenarios y entrar en rehabilitación para despegarse de los excesos. En 1989 reaparece con su banda y graba su cuarto disco Al paso, eso vale un Grammy.

Vaughan se ganó un lugar entre los músicos de blues y un espacio en los míticos bares de Austin ya que sin duda estuvo a la vanguardia del resurgimiento del blues en la década del 80. Marcando nuevos parámetros en el blues-rock y dándole un nuevo impulso al género, desde Inundación de Texas, grabado en tres días en 1983 hasta Al paso, su último álbum, en un mundo en el que cobraba fuerza el grunge y el hip hop.

Un sonido muy particular

En el escenario era donde más brillaba, su sonido era aplastante. Su Fender Stratocaster del 59, “La Number One”, afinada en Drop, medio tono por debajo de la afinación estándar, para resaltar graves, su encordado de grueso calibre -cuerdas 0,13- y trastes jumbo de mayor diámetro, le daban a su guitarra un tono gigante. Combinado con dos amplificadores de características distintas, un Fender para resaltar los limpios y agudos y un Marshall para darle mayor espacio para la cabeza y crudeza pero sin sacarle definición a cada nota. El sonido muy particular estaba en sus dedos y la manera rústica y furiosa de tocar. Manejaba con gran destreza su mano derecha con rítmicas al mejor estilo funky y los golpes de la púa eran sutiles o fuertes si quería resaltar más alguna nota o acorde.

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Fue parte de una generación de guitarristas surgida en los 80 que trasformó la manera de tocar la guitarra, con gran despliegue escénico y vestimenta personalizada en los distintos géneros del rock, los llamados SHRED. Se adaptó sin problema a los cambios musicales y de sonido moderno al que el blues escapaba por ser un género tradicional.

Esto atrajo a los fanas del rock hacia el blues que volvió a llenar estadios, grabar clips friccionados. Quizá fue el mejor enlace, por el virtuosismo, el dinamismo y el poderío de su música. Sus cuatro álbumes fueron éxitos comerciales y de crítica.

El 26 de agosto de 1990, Vaughan y su banda tocan en Wisconsin, un gran show en el que también toca su hermano Jimmie y Eric Clapton. Hacia la medianoche, Vaughan toma un helicóptero que se estrella a poco de despegar en medio de una densa niebla. Nadie sobrevive. Vaughan muere el 27 de agosto. Esa noche el cielo lloró.

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Una situación dolorosa para una familia resultó en un momento que cambió sus vida y forjó una relación única entre un sargento de Utah y un niño.

Recientemente, el sargento Chamberlin Neff, de la Patrulla de Carreteras de Utah, celebró el quinto aniversario con Coleman Ross, el niño al que el policía salvó de morir ahogado en 2016. El pequeño se recuperó completamente y ahora tiene 8 años.

“Las acciones de la familia de Coleman y del sargento Neff fueron extraordinarias aquel día y es la razón por la que Coleman está aquí hoy”, dijo la Patrulla de Carreteras de Utah en un comunicado en las redes sociales.

El 12 de julio de 2016, Coleman, que entonces tenía 3 años, fue a nadar a su piscina en el condominio Pineae Gardens en Centerville con sus familiares. El momento de diversión familiar se convirtió rápidamente en una situación angustiante cuando Coleman “se quitó el chaleco salvavidas y se hundió”.

Los familiares y los asistentes lograron sacar al niño de la piscina, llamaron al 911 e intentaron reanimarlo con reanimación cardiopulmonar.

El sargento Neff, que estaba fuera de servicio en ese momento y se dirigía a su casa, recibió la información, se dio cuenta que no estaba “demasiado lejos” y decidió responder, según declaró el departamento de policía.

“Sin pensarlo dos veces, el sargento Neff acudió a la casa y continuó con la reanimación cardiopulmonar de Coleman”, dijo el departamento.

El sargento Neff y Coleman comparten una amistad desde el rescate. (Cortesía de la Patrulla de Carreteras de Utah)

El policía continuó los esfuerzos por salvar la vida del pequeño Coleman hasta que los servicios de emergencia llegaron al lugar. El niño fue trasladado al Hospital Infantil de Primaria, donde se recuperó completamente.

Los Coleman y el sargento Neff han mantenido su amistad desde entonces. Celebrando su amistad de cinco años el 12 de julio, que llaman cariñosamente “el día de Coleman”, el sargento Neff señaló que es “el mejor momento de su carrera”, según el departamento de policía.

La madre de Coleman, Annie Ross, dijo a ABC4 en una entrevista en 2016 que el rescate de su joven hijo es difícil de explicar “científicamente”.

“[Los médicos] estiman que estuvo sin oxígeno de tres a nueve minutos… Científicamente, no es realmente explicable”, dijo.

(Cortesía de la Patrulla de Carreteras de Utah)
(Cortesía de la Patrulla de Carreteras de Utah)

Coleman ahora desea convertirse en un soldado algún día para ayudar a otros.

La orgullosa madre compartió con FOX 13 que Coleman tiene su propia manera especial de rendir homenaje a su héroe, que le salvó la vida ese día.

“[Coleman] tiene un sombrero de la Patrulla de Carreteras que cuelga sobre su cama y una insignia de la Patrulla de Carreteras que guarda en su pequeña caja especial”, dijo Ross, añadiendo que ella no cree que haya sido casualidad que el Sargento Neff respondiera tan rápidamente, sino que cree que fue el destino.


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Una situación dolorosa para una familia resultó en un momento que cambió sus vida y forjó una relación única entre un sargento de Utah y un niño.

Recientemente, el sargento Chamberlin Neff, de la Patrulla de Carreteras de Utah, celebró el quinto aniversario con Coleman Ross, el niño al que el policía salvó de morir ahogado en 2016. El pequeño se recuperó completamente y ahora tiene 8 años.

“Las acciones de la familia de Coleman y del sargento Neff fueron extraordinarias aquel día y es la razón por la que Coleman está aquí hoy”, dijo la Patrulla de Carreteras de Utah en un comunicado en las redes sociales.

El 12 de julio de 2016, Coleman, que entonces tenía 3 años, fue a nadar a su piscina en el condominio Pineae Gardens en Centerville con sus familiares. El momento de diversión familiar se convirtió rápidamente en una situación angustiante cuando Coleman “se quitó el chaleco salvavidas y se hundió”.

Los familiares y los asistentes lograron sacar al niño de la piscina, llamaron al 911 e intentaron reanimarlo con reanimación cardiopulmonar.

El sargento Neff, que estaba fuera de servicio en ese momento y se dirigía a su casa, recibió la información, se dio cuenta que no estaba “demasiado lejos” y decidió responder, según declaró el departamento de policía.

“Sin pensarlo dos veces, el sargento Neff acudió a la casa y continuó con la reanimación cardiopulmonar de Coleman”, dijo el departamento.

El sargento Neff y Coleman comparten una amistad desde el rescate. (Cortesía de la Patrulla de Carreteras de Utah)

El policía continuó los esfuerzos por salvar la vida del pequeño Coleman hasta que los servicios de emergencia llegaron al lugar. El niño fue trasladado al Hospital Infantil de Primaria, donde se recuperó completamente.

Los Coleman y el sargento Neff han mantenido su amistad desde entonces. Celebrando su amistad de cinco años el 12 de julio, que llaman cariñosamente “el día de Coleman”, el sargento Neff señaló que es “el mejor momento de su carrera”, según el departamento de policía.

La madre de Coleman, Annie Ross, dijo a ABC4 en una entrevista en 2016 que el rescate de su joven hijo es difícil de explicar “científicamente”.

“[Los médicos] estiman que estuvo sin oxígeno de tres a nueve minutos… Científicamente, no es realmente explicable”, dijo.

(Cortesía de la Patrulla de Carreteras de Utah)
(Cortesía de la Patrulla de Carreteras de Utah)

Coleman ahora desea convertirse en un soldado algún día para ayudar a otros.

La orgullosa madre compartió con FOX 13 que Coleman tiene su propia manera especial de rendir homenaje a su héroe, que le salvó la vida ese día.

“[Coleman] tiene un sombrero de la Patrulla de Carreteras que cuelga sobre su cama y una insignia de la Patrulla de Carreteras que guarda en su pequeña caja especial”, dijo Ross, añadiendo que ella no cree que haya sido casualidad que el Sargento Neff respondiera tan rápidamente, sino que cree que fue el destino.


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Y ahí, en el segundo grupo y perdido entre canciones de Ray Charles, Carl Perkins, Chuck Berry, Buddy Holly, Smokey Robinson, Little Richard y Phil Spector, aparece, justo después de La vi de pie allí aparece un tema cuyo título es La Canción de la Luna de Miel, que lleva la firma de un compositor griego… Un tal Mikis Theodorakis.

¿Cómo llegó hasta ahí la delicada La Canción de la Luna de Miel del hombre que por esos días seguramente estaba trabajando en la banda sonora de Zorba el griego, que se estrenaría el año siguiente? Pues bien, Paul McCartney, que por lo visto tuvo y tiene un instinto especial por encontrar canciones de amor aparecidas en la pantalla grande parece haber sido quien la sumó a la lista de temas del cuarteto.

Mikis Theodorakis había estrenado “The Honeymoon Song” en 1959; cuando Los Beatles la grabaron, él preparaba su obra más famosa. Foto AP Photo

De los cines a Los Beatles

Vaya uno a saber si a John Lennon le agradaba la idea, pero para ese entonces, Paul ya ha conseguido incluir otras dos baladas con raíces en la pantalla grande entre los temas del grupo en los dos primeros álbumes del grupo.

Una de ellas fue El sabor de la miel, del musical de Broadway del mismo título convertido en película en 1961; y la otra, Hasta que llegaste tú, escrita por Meredith Wilson para el musical El hombre de la música, que llegó al cine en 1962.

Theodorakis, fallecido este jueves 2 de septiembre a los 96 años, había compuesto La Canción de la Luna de Miel para la película Luna de miel, que el británico Michael Powell ambientó en España en 1959 con Antonio el Bailarín entre sus protagonistas y Luis Escobar como co-guionista de la cinta, junto al propio director del filme.

Los Beatles grabaron una pieza de Mikis Theodorakis en vivo en la BBC.

Los Beatles grabaron una pieza de Mikis Theodorakis en vivo en la BBC.

Faltaban aún un tiempo para que Theodorakis se hiciera mundialmente famoso con la banda sonora de Zorba, el Griego, que llegaría a Broadway en forma de musical en 1968; pero la melodía del tema principal de Luna de miel también llamó la atención del público.

Parece que la música de Theodorakis fue lo único que se salvó de una película repleta de tópicos sobre la España de la época. El cantante y compositor italiano Marino Marini grabó con su cuarteto una versión del tema del compositor griego con una letra en inglés.

Fue precisamente aquella versión la que llamó la atención de Paul McCartney e inspiró otras adaptaciones, como la que grabó en español la cantante Gloria Lasso con letra de Rafael de Penagos.

En aquellas sesiones de la BBC los Beatles lograron una deliciosa versión de La Canción de la Luna de Miel, que fue emitida el 6 de agosto de 1963, pero el tema no encontró hueco en ninguno de los discos que el grupo publicaba sin parar en aquellos años.

Hubo que esperar más de treinta años hasta poder escucharla en un disco oficial del grupo, cuando en 1994 se publicaron por primera vez las grabaciones que los Fab Four hicieron para los programas de radio de la BBC.

Vivir en la BBC reservaba a los fans, además de la balada de Theodorakis, varias sorpresas, como un tema firmado por Lennon y McCartney que el grupo nunca llegó a incluir en sus discos: Voy a estar en mi camino.

Pero aquellas grabaciones demostraban sobre todo el oficio adquirido por un grupo curtido en noches interminables en los garitos de Hamburgo, capaz ya de acometer con maestría cualquier estilo que se les pusiera por delante.

Fuente: EFE/Carlos Gosch

ES

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De los cines a Los Beatles

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Los Beatles grabaron una pieza de Mikis Theodorakis en vivo en la BBC.

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Donde:

Plaza de Toros, Ondara

El sábado 4 de septiembre, en la Plaça de Bous de Ondara, el grupo Aretha y los Franklin presentará su último trabajo, ‘De vuelta al soul’.

Concierto gratuito. Por motivos de seguridad y aforo es necesario reservar la entrada en la Casa de Cultura o en la web www.agendaondara.es

Aretha y los Franklin

Aretha y los Franklin, un grupo de soul y jazz clásico en el que cabe destacar la voz solista de la ilicitana Anes León, ofrece un directo que transporta al espectador a la época del soul o jazz de los años 50. La puesta en escena, el vestuario de las cantantes, las coreografías y la complicidad entre el juego de voces, hacen que el espectáculo nos sitúe en el mismo corazón del Menphis de esos años, en un concierto con versiones de temas de Nina Simone, Aretha Franklin, Ray Charles, James Brown, Etta James, o Tina Turner, entre otras.

Aretha y los Franklin (Elche, Elda y Villena) nace en el año 2005 como un grupo de soul y jazz clásico. Es una de las formaciones que pertenece a Jarana Blues, creada en el año 2000, compuesta por grupos de la Comunidad Valenciana con estilos que se encuadran en el Jazz, Soul, Blues o Flamenco. Sus músicos cuentan con una larga trayectoria, a lo largo de los años han participado en diferentes formaciones que han sido emblemáticas en Villena, comarca e incluso en ocasiones a nivel nacional.


La Marina Plaza, periodismo pase lo que pase… siempre

Llevamos juntos siete años. Y juntos hemos vivido ya de todo: inundaciones, incendios, crisis, momentos duros y otros muy buenos, gestas sociales y oleadas de solidaridad de las que nos hemos sentido orgullosos.. Por eso, tampoco ahora vamos a rendirnos. Queremos seguir contigo, haciendo lo que sabemos hacer: periodismo. ¿Nos ayudas?

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Aretha y los Franklin

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logo
Senjutsu


ARTISTA: Iron Maiden

SELLO: Santuario

PRECIO: $519 (CD Doble)

Grupo distintivo del metal

Iron Maiden es una de las bandas más prolíficas e influyentes del heavy metal, que ayudó a preparar la escena del hard rock-heavy metal de los años 80 e inspiró a generaciones de bandas posteriores. Ahora, el grupo presenta Senjutsu, su décimo séptimo álbum de estudio, el primero desde 2015. Sin la participación de Dave Murray en la composición, Senjutsu no es un disco conceptual, ya que cuenta con canciones muy variadas, algunas bastante largas, incluyendo un par de temas que suenan diferentes a su estilo habitual, lo que seguramente sorprenderá a los fanáticos de la banda.

logo
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Un Go-Go


ARTISTA: John Scofield

SELLO: Verve Music

PRECIO: $272

Jazz, soul y funk

Destacado acompañante de leyendas del jazz como Charles Mingus y Chet Baker en los años 70 y Miles Davis en los 80, John Scofield es un guitarrista prolífico y versátil con un gusto ecléctico en la música que ha disfrutado de una distinguida carrera como solista. Su álbum de 1998, A Go Go, es un emocionante festival de funk en el que hace equipo con el destacado trío de soul-funk-jazz Medeski, Martin & Wood. Los temas más destacados incluyen la contagiosa canción principal, el súper-funk Hottentot y el soul-jazz-atmosférico de Jeep 0n 35.

logo
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En la BBC


ARTISTA: Amy Winehouse

SELLO: Island Records

PRECIO: $1,822 (LP Triple)

Figura polémica e inolvidable

Amy Winehouse, la aclamada cantante inglesa de neo-soul que ganó fama por su voz distintivamente jazzística y su singular imagen, realizó varias presentaciones para la TV inglesa. At The BBC ofrece canciones de sus apariciones en programas como Later…with Jools Holland, en particular su primera actuación en 2003 interpretando Stronger Than Me. Además, se incluyen dos actuaciones en las entregas del Premio Mercury, con Take The Box de 2004 y Love Is A Losing Game de 2007. El álbum está alojado en un paquete plegable triple y está prensado sobre vinilo negro de 180 gramos.

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Un Go-Go


ARTISTA: John Scofield

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En la BBC


ARTISTA: Amy Winehouse

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Este cierre de año traerá grandes lanzamientos musicales; conoce algunos de los más esperados

Agréganos a tu pantalla de inicio para visitarnos más fácil y rápido

Todavía le quedan cuatro meses al 2021 y durante este cierre de año, se vienen varios estrenos musicales que estamos ansiosos por escuchar, entre ellos, el esperado disco de Drake, el de covers de Metallica, Lady Gaga, Lil Nas X, Taylor Swift, Ed Sheeran, Lorde, Iron Maiden y muchos más.

Si bien septiembre estará repleto de estrenos, octubre, noviembre y diciembre también prometen bastante para cerrar fuerte y darle la bienvenida al 2022. Checa algunos de los discos comerciales que serán lanzados próximamente.

Lanzamientos de discos en septiembre 2021

En el noveno mes del año podremos escuchar “Senjetsu” de Iron Maiden, “Certified Lover Boy” de Drake, “Timeless” de Jhay Cortez y “Mercury – Act 1” de Imagine Dragons el 1 de septiembre; “Dawn of Chromatica” de Lady Gaga, “The Metallica Blacklist”, “Jose” de J Balvin, “ALICIA” de Alicia Keys, “Friends That Break Your Heart” de James Blake, “Back in Love City” de The Vaccines” y “Star Crossed” de Kacey Musgraves” el 10 de septiembre.

NCT 127 estrenará “Sticker” y Lil Nas X lanzará su esperado disco debut de “Montero” el 17 del mismo mes; “Firebird” de Natalie Imbruglia, “Lifeforms” de Angel & Airwaves, “The Beautiful Liars” de X Ambassadors llegará el 24 de septiembre.

Estrenos de álbums en octubre 2021

Octubre también traerá varias propuestas musicales que no querrás perderte, ya que se lanza “Love For Sale” de Lady Gaga y Tony Bennet, “Music of the Spheres” de Coldplay el 15 y Ed Sheeran estrenará “Equals” el día 29 junto a “I Don’t Live Here Anymore” de The War On Drugs, día en el que, de igual manera, sale “The Lockdown Sessions” de Elton John.

Discos que saldrán en noviembre y diciembre 2021

El 5 noviembre llegará “Thank You” de Diana Ross y el esperado regreso de ABBA con su álbum “Voyage”; mientras que “The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows” de Damon Albarn el sale 12 junto a “Between Us” de Little Mix y el 19 de noviembre se publica “Red (Taylors Version)” de Taylor Swift.

Además, falta que artistas como The Cure, The Weeknd y Camila Cabello confirmen si lanzarán lo propio este año, pues el canadiense compartió que está trabajando en “The Dawn Is Coming” y la intérprete sacará “Familia”, del cual ya podemos escuchar el sencillo de “Don’t Go Yet”.

A lo largo del 2021, hemos tenido estrenos de Billie Eilish, Halsey, Lorde, The Killers, Chvrches, Kanye West y muchos más, así que los meses que quedan serán como la cereza del pastel del año.

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Lanzamientos de discos en septiembre 2021

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Estrenos de álbums en octubre 2021

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Discos que saldrán en noviembre y diciembre 2021

El 5 noviembre llegará “Thank You” de Diana Ross y el esperado regreso de ABBA con su álbum “Voyage”; mientras que “The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows” de Damon Albarn el sale 12 junto a “Between Us” de Little Mix y el 19 de noviembre se publica “Red (Taylors Version)” de Taylor Swift.

Además, falta que artistas como The Cure, The Weeknd y Camila Cabello confirmen si lanzarán lo propio este año, pues el canadiense compartió que está trabajando en “The Dawn Is Coming” y la intérprete sacará “Familia”, del cual ya podemos escuchar el sencillo de “Don’t Go Yet”.

A lo largo del 2021, hemos tenido estrenos de Billie Eilish, Halsey, Lorde, The Killers, Chvrches, Kanye West y muchos más, así que los meses que quedan serán como la cereza del pastel del año.

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El director cinematogrfico Frank Capra, de cuya partida se cumplen tres dcadas el viernes 3 de septiembre, fue un hombre al que le toc llevar esperanza y buenos sentimientos a las pantallas tras el “crac” financiero de 1929 y, luego, durante la Segunda Guerra Mundial.

Fue un largo perodo de escasez y tristeza que obligaba a evadirse de la realidad, como lo haca en su momento la protagonista de “La rosa prpura del Cairo” (Woody Allen, 1985), quien llegaba, en su alienacin, a mantener un romance con un personaje que escapaba de la proyeccin.

Trailer “Qu bello es vivir!”

Tras sus comienzos en el cine mudo, donde organiz “gags” para el cmico Harry Langdon, Capra se destac esencialmente por cuatro pelculas: “Lo que sucedi aquella noche (1934), “Horizontes perdidos” (1937), “Caballero sin espada” (1939) y sobre todo “Qu bello es vivir!” (1946).

Este filme, rodado en la inmediata posguerra, se alejaba por completo del cine propagandstico con el que Hollywood haba obturado las pantallas con soldados heroicos y sus vicisitudes en el barro, y ubicaba su accin, con apuntes fantasiosos, entre gente ordinaria en un pueblito normal.

"Lo que sucedió aquella noche", con Clark Gable y Claudette Colbert

“Lo que sucedi aquella noche”, con Clark Gable y Claudette Colbert

Con toques no declarados de “Cuentos de Navidad”, de Charles Dickens, la historia se centra en un hombre honrado y de buenos sentimientos (James Stewart), que intenta suicidarse ante algn inconveniente en la Nochebuena de 1945, pero la aparicin de una criatura celestial (Henry Travers) le da una leccin de vida que tambin sirve para la platea.

“Qu bello es vivir!” no fue un xito de pblico al principio, pero fue nominada a cinco Oscar de la Academia, sufri el disparate de ser coloreada en varias oportunidades –la original es en bellsimo blanco y negro- y termin siendo uno de los clsicos del cine, objeto de varios guios en filmes posteriores.

Capra, que termin teniendo una vida tan placentera como el cine que haca -y adems larga: muri a los 94 aos en su casa de La Quinta, California, rodeado por sus seres queridos- no la comenz del mismo modo.

Trailer “Lo que sucedi aquella noche”

Nacido como Francesco Rosario Capra en Bisacquino, Sicilia, el 18 de mayo de 1897, en 1903 form parte de las familias que emigraban de la miseria hacia un soado nuevo mundo junto a sus padres y sus seis hermanos.

Lo hizo a bordo del vapor Germania, en una travesa de 13 das que para l y los suyos fue un verdadero infierno: “No haba ventilacin en los camarotes y todo apestaba terriblemente –recordaba luego-. Fue espantoso; siempre con tormenta, lloviendo como el infierno y con mucho viento, con estas olas grandes y largas del Atlntico. Todo el mundo estaba enfermo, vomitando. Y con el permanente llanto de los nios…”.

"¡Qué bello es vivir!", con James Stewart

“Qu bello es vivir!”, con James Stewart

Sin conocer el idioma, la familia se estableci en un pueblo de California y Frank comenz su escuela primaria y, ya en Los ngeles, vendi diarios en las calles, cant en bares y burdeles y, en la escuela secundaria, se interes por el teatro.

En guerra con sus mayores, que vean en esa vocacin una prdida de tiempo y descargaban su desacuerdo por medio de bofetadas, Francesco -ya Frank en su nueva patria- se nutri de lecturas, escribi poesa y una comedia teatral, “El fracaso del mayordomo”, sobre un criado que tendra que asesinar a su patrn para luego suicidarse.

Ingres al ejrcito de Estados Unidos en 1918, sobrevivi a la “gripe espaola” -que en 1920 se llev 20 millones de vidas en todo el mundo- y concurri a un casting para “Los parias del póquer Flat” (1919), de John Ford, en el que fue elegido como extra para interpretar a un vaquero.

Trailer “Arsnico y encaje antiguo”

En esa oportunidad hizo muy buenas migas con Harry Carey, protagonista y gran estrella en su momento, al que como reconocimiento incluy en “Caballero sin espada”, donde Carey obtuvo una nominacin como mejor actor de reparto.

Entre 1921 y 1927 escribi numerosos guiones e interttulos en cortometrajes ajenos, y desde 1926 comenz a dirigir: fue con “El hombre can” y “Sus primeros pantalones”, protagonizadas por Harry Langdon, quien lo despidi por cuestiones de celos, sin saber la entidad que Capra iba a obtener en el futuro.

Radicado en San Francisco, el productor Walter Montague lo contrat para ayudar a dirigir el corto “La piensen de Fultah Fischer” (1922), basado en un poema de Rudyard Kipling. Montague, que haba intentado ser actor, crea que esa ciudad estaba destinada a convertirse en la capital del cine, y que poda hacer una fortuna haciendo pelculas basadas en poemas, pero la relacin ces.

En esa poca comenz a salir con la actriz Helen Edith Howe, quien se convertira en su primera esposa y, casado con ella en 1923, la pareja se estableci en Hollywood, donde las pelculas haban saltado de una bobina a dos o a tres, hasta llegar al largometraje que rondaba la hora de duracin.

El afiche de "El secreto de vivir"

El afiche de “El secreto de vivir”

En la Argentina llegaron a las pantallas “El submarino” (1928, sonorizada), “Mujeres de lujo” (1930), “La mujer milagrosa” (1931) y “La amargura del general Yen” (1933), las tres con Barbara Stanwyck; “La locura del dlar” (1932); y “Lo que sucedi aquella noche” (1934), con Clark Gable y Claudette Colbert.

La ltima fue una de sus comedias ms exitosas -obtuvo cuatro Oscar-, sobre todo por el trabajo de sus protagonistas, y se adelant al tiempo porque en un famoso dilogo Colbert califica a su galn de hombre muy alegre, a lo que Gable contesta: “Sí, soy tan gay”, cuando el adjetivo no significaba lo mismo que hoy.

Entre otros estrenos se conocieron “Estrictamente confidencial” (1934); “El secreto de vivir” (1936), con Gary Cooper; “Vive como quieras” (1938), con Jean Arthur, Lionel Barrymore y James Stewart; “…Y la cabalgata pasa” (1941), con Cooper y Stanwyck; “Arsnico y encaje antiguo” (1944, con Cary Grant.

Los ltimos ttulos de Capra proyectados localmente fueron “Aqu viene el novio” (1951), con Bing Crosby y Jane Wyman; “Un hombre sin suerte” (1959), con Frank Sinatra y Edward G. Robinson; y “Milagro por un da” (1961), con Bette Davis y Glenn Ford.

Frank Capra pas sus ltimos 30 aos alejado de las cmaras, aunque en 1971 public su autobiografa “The Name Above the Title”.

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El director cinematogrfico Frank Capra, de cuya partida se cumplen tres dcadas el viernes 3 de septiembre, fue un hombre al que le toc llevar esperanza y buenos sentimientos a las pantallas tras el “crac” financiero de 1929 y, luego, durante la Segunda Guerra Mundial.

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"Lo que sucedió aquella noche", con Clark Gable y Claudette Colbert

“Lo que sucedi aquella noche”, con Clark Gable y Claudette Colbert

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Capra, que termin teniendo una vida tan placentera como el cine que haca -y adems larga: muri a los 94 aos en su casa de La Quinta, California, rodeado por sus seres queridos- no la comenz del mismo modo.

Trailer “Lo que sucedi aquella noche”

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"¡Qué bello es vivir!", con James Stewart

“Qu bello es vivir!”, con James Stewart

Sin conocer el idioma, la familia se estableci en un pueblo de California y Frank comenz su escuela primaria y, ya en Los ngeles, vendi diarios en las calles, cant en bares y burdeles y, en la escuela secundaria, se interes por el teatro.

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Trailer “Arsnico y encaje antiguo”

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Radicado en San Francisco, el productor Walter Montague lo contrat para ayudar a dirigir el corto “La piensen de Fultah Fischer” (1922), basado en un poema de Rudyard Kipling. Montague, que haba intentado ser actor, crea que esa ciudad estaba destinada a convertirse en la capital del cine, y que poda hacer una fortuna haciendo pelculas basadas en poemas, pero la relacin ces.

En esa poca comenz a salir con la actriz Helen Edith Howe, quien se convertira en su primera esposa y, casado con ella en 1923, la pareja se estableci en Hollywood, donde las pelculas haban saltado de una bobina a dos o a tres, hasta llegar al largometraje que rondaba la hora de duracin.

El afiche de "El secreto de vivir"

El afiche de “El secreto de vivir”

En la Argentina llegaron a las pantallas “El submarino” (1928, sonorizada), “Mujeres de lujo” (1930), “La mujer milagrosa” (1931) y “La amargura del general Yen” (1933), las tres con Barbara Stanwyck; “La locura del dlar” (1932); y “Lo que sucedi aquella noche” (1934), con Clark Gable y Claudette Colbert.

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Integra el equipo de La Sole y hoy se juega su llegada a la final de La Voz Argentina. Cómo fueron sus inicios de esta chica de 20 años que proviene de una familia de artistas.

Oriunda de Morón, al oeste del Gran Buenos Aires, pero con raíces en Tres Arroyos donde aún viven sus abuelos materinos, Luna Suárez (20) forma parte del Equipo La Sole en las semifinales de La Voz Argentina.

La chica, que hoy definirá su futuro en el programa de Telefe, comenzó su camino artístico desde muy chiquita. A los 6 años ya tocaba canciones de oído en el piano. “Canto desde muy chica, tengo recuerdos con la música desde siempre”, le contó a La Voz del Pueblo. “Mi papá tocaba el piano cuando yo era bebé. Junto con mi tía (Lelé Suárez) tenían la banda La Serena. Crecí yendo a ensayos, el arte estuvo dando vueltas desde que era chiquita”, agregó.

luna suárez
Luna con La Sole y el resto del team, antes de la eliminación de Patricio Mai. Foto IG.

La cantante añadió que su papá fue su gran inspiración. “Aprendí de verlo a mi viejo y que él me enseñe. Comencé a cantar y tocar como una forma de experimentar yo, como un medio de expresión”, recordó. No obstante aclaró que “a los 13 años fui a clases de piano. No me considero pianista, pero sé que puedo acompañarme”.

luna suárez
Luna tiene 20 años y vive en Morón. Foto IG.

En cuanto a sus referentes, Luna mencionó a “Nina Simone, la tengo en el pedestal, Amy Winehouse, James Brown. Me gustan mucho el blues y el soul. De Argentina Gustavo Cerati me pareció siempre un genio, Lisandro Aristimuño, Pedro Aznar, Jorge Drexler de Uruguay. Y de lo más actual y urbano, Nathy Peluso es sensacional, puede cantar trap, balada, salsa, lo que se proponga”.

luna suárez
Comenzó a tocar el piano a los 6 años y su papá, también músico, fue su inspiración. Foto IG.

En cuanto a su debut en un escenario, Luna relató: “La primera vez que me subí a un escenario fue en el coro de una iglesia. De repente estaba cantando con otras 30 voces, siendo ya muy chica me generó una gran potencia. Luego en actos de la escuela y empecé a descubrir que era lo mío. Las armonías, los coros. Desde mis 16 años es que lo decidí, empecé a tocar, a estudiar canto, a cantar en eventos”.

luna suárez
Hoy se juega el pase a la final de La Voz Argentina. Foto IG.

Y con respecto a La Voz Argentina, la chica de Morón dijo al medio citado: “Se presentó esta oportunidad que me hizo pensar que puede ser un camino firme”. Y explicó que eligió a La Sole por el lugar que ella se ganó en la industria de la música. “El momento es mucho más flexible para la figura femenina, para estar en la industria de la música. Por eso también la elegí a la Sole, porque ella se ganó un lugar como mujer, desde muy chica”, agregó.

Más información en parati.com.ar

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Luna con La Sole y el resto del team, antes de la eliminación de Patricio Mai. Foto IG.

La cantante añadió que su papá fue su gran inspiración. “Aprendí de verlo a mi viejo y que él me enseñe. Comencé a cantar y tocar como una forma de experimentar yo, como un medio de expresión”, recordó. No obstante aclaró que “a los 13 años fui a clases de piano. No me considero pianista, pero sé que puedo acompañarme”.

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Comenzó a tocar el piano a los 6 años y su papá, también músico, fue su inspiración. Foto IG.

En cuanto a su debut en un escenario, Luna relató: “La primera vez que me subí a un escenario fue en el coro de una iglesia. De repente estaba cantando con otras 30 voces, siendo ya muy chica me generó una gran potencia. Luego en actos de la escuela y empecé a descubrir que era lo mío. Las armonías, los coros. Desde mis 16 años es que lo decidí, empecé a tocar, a estudiar canto, a cantar en eventos”.

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Hoy se juega el pase a la final de La Voz Argentina. Foto IG.

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Dos libros de reciente publicación revelan dos de las múltiples caras del mundo del rock. En Es tan fácil el bajista de Guns N Roses Duff McKagan retrata su vida musical en un camino del exceso que casi lo mata. Pero sobrevivió para contarlo.

En tanto en ¡Grabando! el productor Mark Howard revela la cocina de grandes discos del rock de las últimas décadas, un manual de producción y edición matizado con anécdotas surrealistas.

El lado salvaje del rock

El rock tiene un lado salvaje, de sexo, drogas y más rock; donde el alcohol, las giras maratónicas, las anfetaminas, los aduladores y la desintegración familiar forman un cóctel demasiado frecuente. Lamentablemente.

Guns n’ Roses antes del salto a la fama. Foto Wikipedia

Pero ese lado oscuro también tiene una faceta de redención, de músicos que lograron asomar su cabeza del lodo de excesos y salir adelante. Quizás con consecuencias, por supuesto, pero hay quienes han pudieron ascender de los infiernos de las adicciones y están de vuelta en la carretera. Como Duff McKagan, bajista de los Guns N Roses.

McKagan no se esconde para retratar cómo Guns n’ Roses era una montaña rusa sin cinturones, un carrusel de fama, dinero y drogas que casi acaban con él

Este músico ha publicado It’s So Easy (Y otras mentiras) (Libros Cúpula), una autobiografía donde recurre a una memoria fotográfica en la que no deja escena sin retratar, sea amigable y bonita como los recuerdos familiares más recientes; o los más sórdidos como la adolescencia y juventud en la vorágine de drogas, alcohol, pobreza y SIDA.

Dos libros de reciente publicación revelan dos de las múltiples caras del mundo del rock. En It’s So Easy el bajista de Guns n’Roses Duff McKagan retrata su vida musical en un camino del exceso que casi lo mata. Pero sobrevivió para contarlo.

COMPRAR Es tan fácil de Duff McKagan en Amazon

La montaña rusa de los Guns

McKagan, bajista y segundo vocalista de Guns N Roses, participó en la fundación de esa banda de jóvenes de la Costa Oeste sin futuro, sin dinero y sin estudios, alimentados a base de sustancias de toda calaña y comida chatarra.

Pero con todo el deseo de comerse al mundo devoraron el circo del rock en dos bocados. Llegaron a ser la banda más potente del mundo entre 1987, cuando publicaron el excelente Apetito por destruccion hasta los primeros años 90, tras el lanzamiento de los rimbombantes Use Tu ilusión I y II.

Los duros inicios

McKagan ahora es un señor de 57 años que es capaz de agachar la mirada ante un capricho de sus hijas adolescentes. Pero en las primeras páginas revela el agreste mundo en el que creció: “empecé a fumar marihuana en cuarto de primaria (9 o 10 años), probé el LSD en sexto. En séptimo esnifé coca por primera vez”.

Animado por Cliff Burton (fundador de Metallica) se lanzó a canalizar su frustración con el bajo, y tras pasar por una treintena de agrupaciones de Seattle aterrizó en Los Ángeles en 1984 y al año siguiente se sumó a unos desconocidos Guns n’Roses.

“Empecé a fumar marihuana en cuarto de primaria (9 o 10 años), probé el LSD en sexto. En séptimo esnifé coca por primera vez”.

Duff McKagan

Con la actitud rebelde de los Pistolas sexuales, tratando de dejar la estela del roca de pelo (pensemos en el daño a la capa de ozono), con influencias de Aerosmith y los Rocas rodantes, los Guns se lanzaron a una montaña rusa sin cinturones.

McKagan mi Izzy Stradlin, junto con el batería Steven Adler, creaban una locomotora de rock en la que Barra oblicua aportaba sus riffs y esos punteos agudos que son el sello de fábrica de la banda.

McKagan en 2011 con la banda Loaded. Foto EFE

Y como maquinista el impredecible Axl Rose. El cantante “era totalmente punk rock, porque su fuego no podía ser controlado (…) Era insolente, no se disculpaba y sus aristas contribuían a afinar la identidad de la banda y a diferenciarnos de la masa”, escribe.

El camino del exceso

Llegaron los éxitos, de antros de mala muerte pasaron a tocar a estadios, de buscar monedas para el autobús viajaban en limusinas. Pero el precio fue alto.

Las adicciones que arrastraban se multiplicaron, y enceguecidos por los focos de la fama, saltaron los cortocircuitos potenciados por la falta de comunicación, la ausencia de compromiso y los desplantes de Axl.

El músico con su esposa Susan y su hija Mae. Foto EFE

McKagan dejó la banda antes que la banda acabe con él, y con Slash formó el excelente Revólver de terciopelo. Pero los excesos siguieron haciendo mella en su cuerpo y espíritu, sumado a un preocupante accidente con quemaduras, en donde la muerte lo rondaba día a día.

No hay spoiler si decimos que hay final feliz (sino, no habría libro), pero McKagan no esconde que el camino de la recuperación es una dura senda de espinas. Como las rosas.

Detrás de los grandes éxitos del rock

El otro libro es la antítesis. Se trata de ¡Grabando!, de Mark Howard (Libros Cúpula), que se publica el 8 de septiembre. Quizás muchos se pregunten “¿y este quién es?”, pero basta escuchar Tiempo fuera de la mente de Bob Dylan O Monstruo de movimiento rápido del ojo para reconocer un estilo en el sonido y la producción. Y es la de este artesano de la edición.

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Este productor e ingeniero de sonido ayuda a comprender que la realización de un disco es como tejer un tapiz. “Fibras de creatividad se tejen para crear un hermoso conjunto”, describe.

Ahí se ve que el resultado final puede ser muy bonito, pero detrás hay un mundo de nudos, hilos que han quedado sueltos y una trama que necesito dosis hercúleas de paciencia.

Un productor de la vieja escuela

Howard pertenece a la vieja escuela de la música. “Yo hago todo lo contrario a lo que se enseña en un programa de enseñanza universitaria”, dice, y rechaza el aluvión tecnológico para producir música: “estoy en contra de los ordenadores y de programas como Pro Tools, no me gustan los sonidos, no me parecen musicales”.

Howard grabando con Neil Young. Foto Mark Howard-Libros Cupula

“No creo que las escuelas puedan enseñar a grabar”, dice, y recuerda que ninguna academia “enseña a la gente a tratar con tíos colocados con heroína”.

«Ninguna academia enseña a la gente a tratar con tíos colocados con heroína”

Mark Howard

Este productor e ingeniero de sonido recuerda que la clave para construir la autopista donde deben conducir los músicos es la confianza, que les permita “empujarles fuera de su zona de confort para conseguir lo que necesitas”.

Entre los monstruos del rock

Para lograrlo suele montar estudios en grandes mansiones, que alquila con servicio de chef, para que la convivencia en aislamiento pueda generar la mejor música.

Por sus mandos de control han pasado U2, Brian Eno, Joni Mitchell, Tom Waits, Robert Plant, Neil Young, Peter Gabriel, Red Hot Chili Peppers y otros gigantes del rock.

Howard suele montar los estudios en grandes casas.

Su libro transita dos caminos paralelos: por un lado es una guía de consejos sobre grabación, producción y edición, de cómo es más eficaz ser un manitas manipulando un viejo amplificador para conseguir el sonido buscado que estar recurriendo a un programa informático.

Por otra parte, es un delicioso compendio de anécdotas, locuras, desplantes y complicidades con ese ejército de celebridades.

Howard retrata a un Dylan cabreado que esgrimía la guitarra como un bate de béisbol contra su productor, improvisando una carrera por el estudio para grabar a Bono con varios micrófonos en la producción de Todo lo que no puedes dejar atrás, o teniendo que aguantar los caprichos de Neil Young de grabar solo las tres noches previas a la Luna llena.

Por no hablar de la elegancia de Iggy Pop de ir al estudio con pantalones transparentes y sin ropa interior.

Howard siempre respiró profundo, contó hasta 10, y logró “motivar, desafiar e inspirar mentes creativas”. Los resultados, como se ve en ¡Grabando! están a la vista.

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Dos libros de reciente publicación revelan dos de las múltiples caras del mundo del rock. En Es tan fácil el bajista de Guns N Roses Duff McKagan retrata su vida musical en un camino del exceso que casi lo mata. Pero sobrevivió para contarlo.

En tanto en ¡Grabando! el productor Mark Howard revela la cocina de grandes discos del rock de las últimas décadas, un manual de producción y edición matizado con anécdotas surrealistas.

El lado salvaje del rock

El rock tiene un lado salvaje, de sexo, drogas y más rock; donde el alcohol, las giras maratónicas, las anfetaminas, los aduladores y la desintegración familiar forman un cóctel demasiado frecuente. Lamentablemente.

Guns n’ Roses antes del salto a la fama. Foto Wikipedia

Pero ese lado oscuro también tiene una faceta de redención, de músicos que lograron asomar su cabeza del lodo de excesos y salir adelante. Quizás con consecuencias, por supuesto, pero hay quienes han pudieron ascender de los infiernos de las adicciones y están de vuelta en la carretera. Como Duff McKagan, bajista de los Guns N Roses.

McKagan no se esconde para retratar cómo Guns n’ Roses era una montaña rusa sin cinturones, un carrusel de fama, dinero y drogas que casi acaban con él

Este músico ha publicado It’s So Easy (Y otras mentiras) (Libros Cúpula), una autobiografía donde recurre a una memoria fotográfica en la que no deja escena sin retratar, sea amigable y bonita como los recuerdos familiares más recientes; o los más sórdidos como la adolescencia y juventud en la vorágine de drogas, alcohol, pobreza y SIDA.

Dos libros de reciente publicación revelan dos de las múltiples caras del mundo del rock. En It’s So Easy el bajista de Guns n’Roses Duff McKagan retrata su vida musical en un camino del exceso que casi lo mata. Pero sobrevivió para contarlo.

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La montaña rusa de los Guns

McKagan, bajista y segundo vocalista de Guns N Roses, participó en la fundación de esa banda de jóvenes de la Costa Oeste sin futuro, sin dinero y sin estudios, alimentados a base de sustancias de toda calaña y comida chatarra.

Pero con todo el deseo de comerse al mundo devoraron el circo del rock en dos bocados. Llegaron a ser la banda más potente del mundo entre 1987, cuando publicaron el excelente Apetito por destruccion hasta los primeros años 90, tras el lanzamiento de los rimbombantes Use Tu ilusión I y II.

Los duros inicios

McKagan ahora es un señor de 57 años que es capaz de agachar la mirada ante un capricho de sus hijas adolescentes. Pero en las primeras páginas revela el agreste mundo en el que creció: “empecé a fumar marihuana en cuarto de primaria (9 o 10 años), probé el LSD en sexto. En séptimo esnifé coca por primera vez”.

Animado por Cliff Burton (fundador de Metallica) se lanzó a canalizar su frustración con el bajo, y tras pasar por una treintena de agrupaciones de Seattle aterrizó en Los Ángeles en 1984 y al año siguiente se sumó a unos desconocidos Guns n’Roses.

“Empecé a fumar marihuana en cuarto de primaria (9 o 10 años), probé el LSD en sexto. En séptimo esnifé coca por primera vez”.

Duff McKagan

Con la actitud rebelde de los Pistolas sexuales, tratando de dejar la estela del roca de pelo (pensemos en el daño a la capa de ozono), con influencias de Aerosmith y los Rocas rodantes, los Guns se lanzaron a una montaña rusa sin cinturones.

McKagan mi Izzy Stradlin, junto con el batería Steven Adler, creaban una locomotora de rock en la que Barra oblicua aportaba sus riffs y esos punteos agudos que son el sello de fábrica de la banda.

McKagan en 2011 con la banda Loaded. Foto EFE

Y como maquinista el impredecible Axl Rose. El cantante “era totalmente punk rock, porque su fuego no podía ser controlado (…) Era insolente, no se disculpaba y sus aristas contribuían a afinar la identidad de la banda y a diferenciarnos de la masa”, escribe.

El camino del exceso

Llegaron los éxitos, de antros de mala muerte pasaron a tocar a estadios, de buscar monedas para el autobús viajaban en limusinas. Pero el precio fue alto.

Las adicciones que arrastraban se multiplicaron, y enceguecidos por los focos de la fama, saltaron los cortocircuitos potenciados por la falta de comunicación, la ausencia de compromiso y los desplantes de Axl.

El músico con su esposa Susan y su hija Mae. Foto EFE

McKagan dejó la banda antes que la banda acabe con él, y con Slash formó el excelente Revólver de terciopelo. Pero los excesos siguieron haciendo mella en su cuerpo y espíritu, sumado a un preocupante accidente con quemaduras, en donde la muerte lo rondaba día a día.

No hay spoiler si decimos que hay final feliz (sino, no habría libro), pero McKagan no esconde que el camino de la recuperación es una dura senda de espinas. Como las rosas.

Detrás de los grandes éxitos del rock

El otro libro es la antítesis. Se trata de ¡Grabando!, de Mark Howard (Libros Cúpula), que se publica el 8 de septiembre. Quizás muchos se pregunten “¿y este quién es?”, pero basta escuchar Tiempo fuera de la mente de Bob Dylan O Monstruo de movimiento rápido del ojo para reconocer un estilo en el sonido y la producción. Y es la de este artesano de la edición.

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Este productor e ingeniero de sonido ayuda a comprender que la realización de un disco es como tejer un tapiz. “Fibras de creatividad se tejen para crear un hermoso conjunto”, describe.

Ahí se ve que el resultado final puede ser muy bonito, pero detrás hay un mundo de nudos, hilos que han quedado sueltos y una trama que necesito dosis hercúleas de paciencia.

Un productor de la vieja escuela

Howard pertenece a la vieja escuela de la música. “Yo hago todo lo contrario a lo que se enseña en un programa de enseñanza universitaria”, dice, y rechaza el aluvión tecnológico para producir música: “estoy en contra de los ordenadores y de programas como Pro Tools, no me gustan los sonidos, no me parecen musicales”.

Howard grabando con Neil Young. Foto Mark Howard-Libros Cupula

“No creo que las escuelas puedan enseñar a grabar”, dice, y recuerda que ninguna academia “enseña a la gente a tratar con tíos colocados con heroína”.

«Ninguna academia enseña a la gente a tratar con tíos colocados con heroína”

Mark Howard

Este productor e ingeniero de sonido recuerda que la clave para construir la autopista donde deben conducir los músicos es la confianza, que les permita “empujarles fuera de su zona de confort para conseguir lo que necesitas”.

Entre los monstruos del rock

Para lograrlo suele montar estudios en grandes mansiones, que alquila con servicio de chef, para que la convivencia en aislamiento pueda generar la mejor música.

Por sus mandos de control han pasado U2, Brian Eno, Joni Mitchell, Tom Waits, Robert Plant, Neil Young, Peter Gabriel, Red Hot Chili Peppers y otros gigantes del rock.

Howard suele montar los estudios en grandes casas.

Su libro transita dos caminos paralelos: por un lado es una guía de consejos sobre grabación, producción y edición, de cómo es más eficaz ser un manitas manipulando un viejo amplificador para conseguir el sonido buscado que estar recurriendo a un programa informático.

Por otra parte, es un delicioso compendio de anécdotas, locuras, desplantes y complicidades con ese ejército de celebridades.

Howard retrata a un Dylan cabreado que esgrimía la guitarra como un bate de béisbol contra su productor, improvisando una carrera por el estudio para grabar a Bono con varios micrófonos en la producción de Todo lo que no puedes dejar atrás, o teniendo que aguantar los caprichos de Neil Young de grabar solo las tres noches previas a la Luna llena.

Por no hablar de la elegancia de Iggy Pop de ir al estudio con pantalones transparentes y sin ropa interior.

Howard siempre respiró profundo, contó hasta 10, y logró “motivar, desafiar e inspirar mentes creativas”. Los resultados, como se ve en ¡Grabando! están a la vista.

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